乃木坂46『命は美しい（初回生産限定盤B）』
乃木坂46が急速に支持を拡大した背景 ラジオ・モデル活動など"外向き施策”を読む
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きのこ帝国・佐藤が明かす、音楽家としての” 根っこ”「誰かと出会いたい一心で音楽をやっている」
「『桜が咲く前に』みたいな曲を出すのは自分としては攻めの姿勢」
——「桜が咲く前に」はノスタルジックなミディアム・ナンバーで驚きました。一方でサウンドは、うなるギターにしてもきのこ帝国らしいです。この曲をメジャー・デビュー・シングルに選んだ理由は？ 佐藤千亜妃（以下、佐藤）：「選んだ」と言われると難しいんですけど、去年リリースした「東京」から10年前にさかのぼって、バンドが初心に帰る気持ちで書いた曲ですね。10年前に上京したときの気持ちと、今のレーベルを移籍する気持ちが不思議とリンクしました。 ——「桜が咲く前に」を書かれたのはいつ頃なんですか？ 佐藤：今年の年明けで、去年の年末にあった曲の欠片をブラッシュアップしていきました。 ——それはメジャー・デビューが決まった頃でしょうか？ 佐藤：メジャーの話は実はなんとなく以前からあったりして、1年ぐらい前から「どうしようか」と話し合いを始めました。「桜が咲く前に」を書いたときにはメジャー移籍は決定していましたね。 ——10年前に立ち返ってみたのは、メジャー・デビューというタイミングがあったからでしょうか？ 佐藤：そういうのもありますし、自分が上京して10年で、このタイミングでこの曲を出しておくと表現的にも根っこの部分が表現できるかなと思って「今しかない」と思い、書きました。 ——「根っこの部分」というのはきのこ帝国の根っこの部分でしょうか？ 佐藤：きのこ帝国というよりは、自分が音楽をやるうえで、どんな気持ちで上京したのかが純粋に残っている部分ですね。 ——「桜が咲く前に」のレコーディングでは、インディーとは違う意識で取り組んだ面もありました？ 佐藤：もっとメジャーらしさを求められるかと思ってました。派手だったり、キャッチーだったり。むしろきのこ帝国らしい硬い曲で、今までの延長線上の中で出てきている音楽なので、長く残る曲になるといいなと。常に挑戦的なことをしていきたいし、「桜が咲く前に」みたいな曲を出すのは自分としては攻めの姿勢だと思ってます。 ——今までシューゲイザーやポストロック、あるいはオルタナティヴと言われてきたきのこ帝国ですが、そうした肩書きを一旦捨てる覚悟さえ感じました。 佐藤：最初からシューゲイザーだと思ってリリースしたことは一度もないんです。歌モノであり、景色や感情を表現するためのツールとして音楽を機能させているだけであって、シューゲイザーやオルタナという音楽ジャンルとしての目的を果たすために音楽をしているわけではないので、ピンとこないんです。何か琴線に触れるものがないといけないと思うんです。きのこ帝国はそういう音楽を作り続けていると思うので、ジャンルのことを言いたい人もわかるんですけど、勘違いしてほしくないのはきのこ帝国は「ジャンルにこだわっているグループではない」ということですね。 ——では今「きのこ帝国ってどんな音楽をしているグループですか」と聞かれてなんと答えていますか？ 佐藤：うーん、出すたびに変わっちゃうので、自分たちから触れないことが多いです。「大学時代に組んだバンドです」って。自分ではJ-POP、J-ROCKって言われて差し支えないかなと思ってます。 ——佐藤さんの中でメインストリームのJ-POPとはなんですか？ 佐藤：イメージだと、サザンオールスターズ、Mr.Children、エレファントカシマシ、ウルフルズ、JUDY AND MARY、川本真琴さん、あと広瀬香美さんとか。 ——佐藤さんが好きなJ-POPだと？ 佐藤：宇多田ヒカルさん、鬼束ちひろさん、とかよく昔聴いていましたね。 ——そういうアーティストから影響は受けていますか？ 佐藤：最近ライヴでご一緒させていただいたスピッツさんには、感じる部分がありました。ライヴの仕方とか、リリースしていく姿勢とか、立ち振る舞いとか。「きのこ帝国がこういうバンドになっていくといいんじゃないかな」と思いましたね。「聴いた人の人生に残るようなアーティストがいないと音楽シーンは縮んでいく」
——昨日UK Project時代の全作品を聴き直しました。実は一番感じたのは佐藤さんのヴォーカリストとしての変化です。「渦になる」（2012年）の頃なら「桜が咲く前に」は歌えないと感じました。 佐藤：内面の変化はすごくあるし、歌に出てくると思いますね。「東京」を書いて以降は、より「楽曲至上主義」になりたいなと思ったので、その曲ごとにベストな歌い方を心がけています。今までは、ライヴハウスでの活動を念頭に入れて曲作りをしてたんです、ライヴから逆算して。でもCDになったとき、いい部分と悪い部分があったので、ライヴはライヴ、CDはCD、という分け方で制作に向かうようになってきた感じですね。 ——今のバンドがフェス向けに曲を作るという話はよく聞きますし、そういう意味ではメインストリームから離れる方法にも見えますが……。 佐藤：メインストリームの流れは、5年、10年すれば変わると思うし、きのこ帝国は「音楽はこうあるべきだ」という思想を変えないでやっていきたいなと思います。 ——その思想とはどういうものでしょうか？ 佐藤：聴いた人の人生に残るようなアーティストがいないと音楽シーンは縮んでいくと思うんです。 ——「きのこ帝国は変わっちゃった」と思う人もいるかもしれませんよね。 佐藤：でもいつかまた出会えると思います。その人もいつか歩き出さないといけないし、その先で自分たちが待っていられたらな、と思います。「背中を押す」という傲慢なことを言うつもりはなくて、自分たちの歩幅で歩いていると離れてしまう人もいるかもしれないけど、また何かの巡り合わせで、ふっと聴いて「いい」と思える日が来るかもしれないじゃないですか。そのために偽らずにやっていきたいんです。自分たちの成長を無視して立ち止まることは不義理だと思ったんです、それはパフォーマンスになっちゃうから。音楽はパフォーマンスじゃないと自分は思っているので。 ——佐藤さんは、きのこ帝国としての誠実さを追求されてますね。 佐藤：誠実さだけがとりえというか、それ以外のことが器用にできる人たちじゃないので。だから「自分たちが成長することでいっぱいいっぱい」と言ったほうが正しいのかもしれません。誰かと出会いたいという一心で今はやっている感じです。 ——その「誰か」というのは新しいリスナーですか？ 佐藤：昔好きだった人とか、昔の友達とか、親とか、そういうのでいいんです。そういう人たちに胸を張って聴かせられる曲を作りたいんです。社会とのつながりは音楽しかないと思うので、そこで自分という人間をどうやって認めてもらうか。「わかりあう」というのは不可能だと思うので、「わかちあう」ことが可能だったら嬉しいです。「光の強さを知ってるからこそ闇が描ける」
——カップリングの「Donuts」はサウンドもオルタナ的で、楽曲のアウトロも3分以上の演奏です。ここで「メジャー・デビューしてもきのこ帝国の本質は変わっていない」と宣言されたようにも感じました。 佐藤：単純にきれいなものが並んでいても飽きるんで、ブッ飛んだのを入れたいなという意識はあります。 ——ここのアウトロはどう作ったんですか？ 佐藤：スタジオでホワイトボードに「無限」って書いて「こんな感じでよろしく」って。無限じゃないんですけどね、実際は3分で（笑）。きのこ帝国は轟音で盛り上がるのは好きなんで、そこだけはライヴを意識した感じがあっても面白いかなって。 ——サウンドの方向性はメンバーと話し合われたりしますか？ 佐藤：話し合いはしないですね。昔の方が私の意向が強くて、「渦になる」「eureka」（2013年）「ロンググッドバイ」（2013年）を出したあたりは、ワンマンな感じで作ってて。「フェイクワールドワンダーランド」（2014年）以降はいい曲を書けたという自信があったから、アレンジはみんなのプレイのニュアンスを活かして。今回も、デモを聴いた段階で雰囲気を読んでくれたので、それぞれプレイをブラッシュアップしてもらって、あまり私は口出しはしませんでした。初期はプレイが未熟だった面もありますし、自分の中でも音楽像が決まってたんで、フレーズとかも結構みんなに言ってましたね。特にドラムが大変だったと思います。リズムセクションにこだわりがあって、ドラムという楽器が大好きだったんで、「そのハイハットは邪魔だ」「ここでバスドラを入れてほしい」とか色々言ってたんです。 ——でもきのこ帝国はリズムセクションが巧いですね。赤坂BLITZ（2015年1月21日）のライヴを見ていて感じました。 佐藤：みんなのプレイが良くなって、引き出しが増えて、口出しすることが減りましたね。 ——カップリングの「スピカ」はとてもポップです。シングル1枚が現在のきのこ帝国の音楽のショーケースになっている気がしました。 佐藤：高校3年生、18歳ぐらいのときに書いた曲です。カップリングで何を入れようか悩んでて、「桜が咲く前に」は従来のサウンド面を踏襲しつつも一皮剥けてる感じがあるから、「ついでではない曲」を入れたいと思ったんです。私の中では、昔書いたすごく恥ずかしい曲ではあるんですけど、「桜が咲く前に」とリンクしてる部分があるし、今このタイミングで出さないとお蔵入りだという意識もあったので入れました。メンバーのゴリ押しもありました、「いい曲じゃん！」って。 ——佐藤さんにとって恥ずかしいポイントとはどこなのでしょうか？ 佐藤：曲を書き出した頃の曲なんで、歌詞の表現にしろ、メロディーにしろ「ストレートでベタだなー」というのが恥ずかしいんですよ。ベタさが恥ずかしい。今はベタのその先を意識したいと思っていて、ベタだから頭に残るんじゃなくて、「なんだこのメロディー!?」と聴いているとベタに感じてくるメロディーを書きたいです。 ——「桜が咲く前に」にしろ「東京」にしろ、人の胸にすごく刺さる楽曲を佐藤さんは狙って作れている感じなのでしょうか？ 佐藤：思い入れがありすぎて、いつの間にかそういう曲になっちゃうというのはあるんですけどね。 ——2007年に結成して、メジャー・デビューまで8年をかけた感慨はいかかがでしょう？ 佐藤：すぐ結成10年が来ちゃうなと思いますね（笑）。でもイベントとかできたら面白いですよね、若いバンドをフックアップする企画とか。 ——今、ふだん佐藤さんが聴かれている音楽は昔と変わらない感じですか？ 佐藤：中学ぐらいに聴いていたメジャーなものに戻ってきてます。高校、大学あたりは国内のインストを聴いたり、オルタナ、ポストロック、シューゲイザーと呼ばれるものを聴いたり、ライヴハウスに行ったりしてたけど。シガー・ロスがすごく好きで来日公演も行ってます。「渦になる」の「足首」はシガー・ロスを意識してみんなに注文してましたね。「渦になる」は音楽的趣味を盛り込んでました。 ——今はそこまで「趣味」を押し出していない感じですか？ 佐藤：そうですね、誰かの音楽をトレースするより、自分たちの新しい音楽を切り開く方が楽しいです。 ——それはバンドのレベルが上がったり、佐藤さんのソングライティングが上がったからでしょうね。 佐藤：でもバンドの底力や、ソングライティングの力はやりだしてから終わるまで変わらないと思いますよ。きのこ帝国も闇の側面を語られることが多かったけど、光の強さを知ってるからこそ闇が描ける部分もあって、表裏一体の二面性だと思っていて。きのこ帝国の核の部分が最近見えてきただけだと思いますね。「自分たちの心が震えるものを常に出したい」
——今後メジャーで自分たちのどういう側面が出ていくと思いますか？ 佐藤：自分たちの心が震えるものを常に出したい。それがどういうものかは、メンバーで共通してるんですよ、不思議ですね。なぜかシンクロするんです。今後は結成10年を目標にやりたいなと思います。 ——若いメンバーのバンドなのに8年続いていることがまずすごいですね。 佐藤：ハングリーですから。田舎から出てきた身としては、一旗揚げないと帰れないという意識があるから、そこが違うところですね。 ——「一旗揚げたい」とは具体的にどういうことなのでしょう。 佐藤：たとえば美空ひばりさんって、歌い手として憧れの対象なんです。人生を感じるというか。そういう表現者になっていきたいなと思うし、それを多くの人に「いいよね」と言われたらすごく幸せなことじゃないですか。「自分は何者なんだ」と人それぞれ悩むと思うんですけど、自分が満たされる瞬間は、自分の作った音楽が「いい」と言われた瞬間しかないんで、「日本征服」みたいな感じですね。 ———美空ひばりのどこがそんなに好きですか？ 佐藤：天才と言われて出てきて、それで終わらずに素晴らしい歌い手として後世まで聴かれたじゃないですか。あの人が何を考えて歌っていたかは全然わからないんですけど、歌う様に圧倒される感覚はあって、「世の中がこう求めてるからこう歌う」とか一切ないんじゃないかと思っていて。自分が歩んできた人生から言葉を紡いできたアーティストって貴重だし、尊ぶべきだと思います。 ——きのこ帝国から美空ひばりの話を聞くという展開が意外でした。佐藤さん自身から見た、ヴォーカリストとしての佐藤さんはどう見えるんですか？ 「東京」から大きく変わったと思います。 佐藤：自分の声や歌が、心情を表現するにあたって、いい器になるように努力したいと思いますね。ただうまく歌うことが目標になったらダメだと思います。 （取材・文＝宗像明将）今年はGEMの年になるーーアイストカーニバルが予感させたこと
GEM『Star Shine Story（CD+Blu-ray）』（iDOL Street）
ミュージシャンらが振り返る、忌野清志郎の音楽 曽我部恵一「もう守るものが何もない、全部投げ出してる歌」
『SONGS』公式HP。
篠崎こころ・滝口ひかり・中根礎子×田口まき対談 アイドルと被写体、そして自撮りの今後とは？
左から、滝口ひかり（drop）、篠崎こころ（プティパ -petit pas!-）、中根礎子（STARMARIE）、田口まき。
「『人生一回しかないから、一度はアイドルをやってみたい』という気持ちになった」（滝口）
――篠崎さん、中根さん、滝口さんがそれぞれアイドル活動に足を踏み入れた経緯を教えてください。 篠崎こころ（以下 篠崎）：私、こんな容姿なんですけど、最初はAKB48さんにすごく憧れてたんです（笑）。で、オーディションを受けたけど落ちてしまって、ならせめてAKB48劇場が見えるところで働きたいと思い、と秋葉原のメイドカフェでバイトを始めました。その中から選抜ユニットとして現在のグループが生まれ、今に至ります。アイドルとしての方向性は、活動をしていくなかで、BiSさんを見て「こんなアイドルの仕方もあるんだ！」と気付いてから、やりたいことをやるようにしています。 滝口ひかり（以下 滝口）：大学生までは特にアイドルに関わることは無かったんですけど、友達から某ファッション雑誌のスナップに誘われて、小さく掲載されたんです。それを見た日本ツインテール協会の古谷（完）会長がツイッターでフォローしてくれて、DMで「ツインテールの写真集に出てくれないか」と誘われました。そこからモデルとして活動していくなかで、完さんから急に「アイドルをやらないか」と提案されたことがきっかけです。踊って歌うことに関しては興味があったし憧れてたんですけど、「アイドル＝ブリッ子する」というイメージがあって、正直抵抗はありました（笑）。でも、「人生一回しかないから、一度はアイドルをやってみたい」という気持ちになり、決心がついたんです。 中根礎子（以下 中根）：私は高校生の時、先輩に誘われてこの世界に入りました。元々中学生の時から芸能界には憧れていたんですけど、なかなか行動に移せなくて。アイドル活動をしていたその先輩が所属している事務所に誘われて、やりたかったモデルの仕事をしていくなかで、彼女がアイドルとしてライブしているところを見たんです。私もひかりちゃんと同じで、アイドルには「ブリッ子」というイメージが強くて嫌だったんですが、実際に目にしたらその世界観に圧倒されて、次第に「私もアイドルになりたい」と思うようになりました。そして実際先輩が活動していて、私自身も影響を受けたユニットであるSTARMARIEに加入し、アイドルとして奮闘しています。 ――田口さんがフォトグラファーを目指したきっかけは？ 田口：私が写真を撮り始めたのは高校生くらいの時で、当時はファッション誌と可愛い子が好きな女の子でした。知り合いをメイクして写真を撮ってあげたら「私ちょっとイケてない？」って喜んでくれて、そういうのがもっと見たくて、次第に他校の生徒や他の地域の可愛い子にも同じことをするようになり、それがきっかけでフォトグラファーを目指すようになったんです。その後は学校で写真技術を学んで、プロのアシスタントをしたことで、映画女優さんやミュージシャンの方に直接お話しを聞いて写真を撮るようになって。ポートレートというか、女の子に直接寄り添っているような写真を撮りたいと思うようになり、プロのフォトグラファーになりました。 ――篠崎さん、滝口さん、中根さんはそれぞれ被写体としてどういう印象ですか？ 田口：タッキー（滝口）は今日で会うのは3回目、他の2人はそれぞれ撮影で1回会っただけなので、最初の印象でしかないですけど…。こころちゃんは熱い部分とそれを引いて見る冷静な自分とが同居しているように思えるし、「自分にしかできないことをやりたい」と思っていることが言葉や気持ちから伝わってくるので、それを写真に収めることが出来ればと。もにゃちゃん（中根）は、柔らかい印象があって、良い意味で等身大。女の子のなかでも、アイドルを目指している子は特に情熱を持った激しい子が多い気がするんですけど、それ以外にもモデルをやりたい子や、普通の女子大生だけどで可愛くいたい、という子もたくさんいます。もにゃちゃんは後者のような人をアイドルの道に引きずり込めそうな魅力、アイドル好き以外にも受ける要素があるなと思いました。あと、被写体としては写真を撮るとクールな感じの表情も見せてくれるのもいいですね。タッキーはホントに真面目な子なんですけど、突然アイドルの世界に飛び込める大胆さも持っていて。だからウソの企画とかでとんでもないことをやらせてみたいです（笑）。 篠崎：卒業式で先生からもらう訓示みたいで恥ずかしい（笑）。外から見た自分と中から見た自分って違うことのほうが多いと思うんですけど、田口さんは1回しか会ってないのに自分が表現したかった二面性を見抜いてくれてすごく嬉しいです。 中根：本当に1回だけなのに、自分のいろんなところを見ててくれてたんだなと思いますね。実際に「撮ってて楽しい」ってよく言われるので！ 滝口：私は「素直で真面目って見られてるんだなぁ」って思いました（笑）。あんまり嘘はつけないタイプなので、それが早くもバレちゃってるのも面白いです。
「モデルは洋服やスタイルを、アイドルは本人を前に出す」（田口）
――田口さんは幅広く女性を撮影されていますが、アイドルにしかない魅力って何でしょう？ 田口：ファッションモデルとアイドルを比較したとして、前者はファッション雑誌においてメインである「ファッション」、つまり洋服やスタイルをどう伝えるかが重要ですよね。後者はどちらかというとその洋服を着ている人自身を前に出す感じ。例えばこころちゃんだったら、金髪でキャップを被っていて、アーティストやバンドマンみたいな見た目だけど、本人はAKB48が好きで純粋にアイドルになりたいという存在で。それがハッキリと表現できるのはアイドルならではだと思いますよ。 中根：確かに、モデルのお仕事は服装をいろいろ考えてやってましたけど、アイドルの撮影は自分を「これでもか！」というくらい出すつもりで臨んでます。 滝口：私も、モデルとして駆け出しのころは、言われたとおりにやって「ただ撮られている」という感覚でした。アイドルを始めてからは、「自分に酔う」というか、カメラを向けられた瞬間に、そのシチュエーションにあった自分を見せる、役を作ることを学びました。
滝口ひかり。
縦長と通常サイズの比較。
篠崎こころ（左）と中根礎子（右）。
「アプリをきっかけにライブに来てくれるのが一番嬉しい」（中根）
――三者三様の戦略があるんですね。ファンの方からの反響はどうですか？ 篠崎：さっきのうどん写真の話ですけど、皆さん文句も言いついっぱい応援してくれる人がいたりして面白いです（笑）。あとは、どの角度が一番ウケるのか、「CHEER」の数でわかりますね。「私を応援してくれるお客さんは、黒髪もそこそこ好きだけど、やっぱり金髪が好きなんだな」とか、統計を取りながらやってます。 ――もはやマーケティングの域ですね（笑）。 中根：反応で言うと、沢山の人がCHEERしてくれることも良いんですけど、アプリをきっかけにライブに来てくれるのが一番嬉しいですね。そこでSTARMARIEの世界観にハマってガチになってくれた人もいます。私たちの曲は、物語の中で人が死んでいくものが多くて、曲中にお客さんの方をけっこう睨んだりするんですが、そういう世界観に衝撃を受けてファンになってくれる方が最近多くて楽しいです。 ――最近はセルカ棒が流行するなど、「自撮り」という文化はますます拡大しています。フォトグラファーの田口さんの目には、この現象がどう映りますか。 田口：沢山撮ってる子は、自分の可愛いところを一番わかってるし、良いタイミング、良い場所も知ってる。だから最近のアイドルって、みんな光のことに詳しい（笑）。純粋にすごいなと思いますね。それに、この文化ってまだまだ発展の余地があるんじゃないかな。現状は好きな時に好きな写真を上げているのが主流だけど、テーマを作っていってよりアーティスティックなものにできると思う。 篠崎：この間CASIOさんとコラボして「一眼レフで自撮り風に撮る」という企画をやったんですけど、すごく面白かったです。そういうのも流行ったら楽しいですね。 田口：それいいよね！ プリクラ機のライティングって特徴を覚えればかなり綺麗に取れるんだけど、その一眼レフバージョンみたいなのも出来そうだし、より鮮明になりそう。
中根礎子。
滝口ひかり（左）と篠崎こころ（右）。
「アイドルシーンを駆け抜けて、綺麗に終わるところまで考えてる」（篠崎）
――三人は現在活動しているグループや個々の仕事で個性的な活躍をしていますが、音楽やグループの立ち位置も含めて、今後はどういう風に成長していきたいですか。 篠崎：自分が目指すアイドル像を特定のグループに決めてしまうとそこが終着点になっちゃうと思うんです。なので、私にしかできないことをプティパでやりたい。入っている事務所も個人事務所のような感じで、好きなことを自由にやらせてくれるので、活動が終わるまでは必死に走り抜けていきたいし、目が話せないような感じのことを提示していきたいですね。その疾走感みたいなところは、BiSさんを見て「すごいな」と思ったところなので。 滝口：私はももクロさんが好きなんですが、こころちゃんと同じでそれを目指してはいけないと思っています。グループ全体としては、dropの話が出た時に誰もが「名前くらいは知ってる」と言ってもらいたいし、他のアイドルが曲を出したときに「この曲dropみたいだね」と例えられるような存在になりたい。私個人としては、グループのなかでMCは得意ではないし、前に出るのも苦手なんですが、個人のお仕事はおかげさまで沢山頂けてるので、dropを知らない方に知ってもらうための入り口として活躍したい。グループを好きになってもらったあとは、私を推してくれても他のメンバーを推してくれてもいいので。 中根：STARMARIEは「アイドルで勝ち残るには」「音楽業界で勝ち残るには」ということをスタッフさんともメンバーともすごく話し合っています。今後も「ダークファンタジー」という独特な世界観で勝負していきたいし、ジャンルの枠を壊していきたいですね。アイドルの数は増えているけれど、そこまで現場に行くお客さんの数は増えていないと思うから、それを考えた上で海外での活動も積極的に行いますし、アイドル好きじゃない方にもハマっていって欲しい。今行ってる単独アジアツアーも無事に成功させたいです。 篠崎：いま、アイドルって地下活動している人たちを含めたらとんでもない数がいるんです。その中で埋もれたくないし、生き残っていくためには自分を発信していくしかない。プティパは個人活動OKなので、どんどんオーディションを受けて、自分がやりたいこと、できることは何でもやっていきたいですね。だからDJやモデルもやるし、アイドルだけで終わらない存在になりたくて、その活動が今のグループに還元されればいいと思っています。あと、プティパはワンマンライブをやらないって決めているんですけど、解散するときに初めてのワンマンを武道館でしたいという夢があって…アイドルシーンを駆け抜けて、綺麗に終わるところまで考えてるんですよ（笑）。 田口：確かに、今のアイドルって何でもありというか、いろんな自由・チャンスがあるよね。 篠崎：今回の対談を通して、まきさんとこうやって話せたことも大きいし、dropさんと関わらせていただいたことで、日本ツインテール協会ともお仕事できるかもしれない。そうやって色んなチャンスを掴みたいです。
篠崎こころ。
『CHEERZ BOOK vol.2』
「映画音楽家」としてのくるり・岸田 繁 その手腕に寄せる期待
パスピエが語るポップミュージックの最適解 「キャッチーと奇をてらう、どちらかに寄りすぎてもダメ」
「パスピエのチャイナ風衣装は完全に『らんま1/2』の影響」（大胡田）
――まずは大胡田さんが手掛けた『トキノワ』のアートワークについて質問です。前回のインタビュー（参考：パスピエが語る、新作の壮大なるコンセプト「民族性にフィーチャーした作品を作りたかった」）では、『幕の内ISM』のジャケットで初めて目を描いて、今後はどうなるかという話をしたのですが、今作ではまた目がなくなりました。
『トキノワ』ジャケット展開写真。
「1回聴いて『これ良いね、満足』という反応だけで終わるものにしたくない」（成田）
――前回のインタビューでも「パスピエの中でいろいろなタームがある」ということを言っていましたね。そのなかでパスピエの音楽の軸は何だと考えていますか？ 成田：あまり軸のようなものは持たないようにしていて、常に心変わりするなかで、アルバムを出したときに「今年の軸はこうだったな」と振り返る感じですね。新しいものを作り出していく側としては、やっぱり軸からなるべく離れていきたいというか、今までないことをしたいという欲があります。それがパスピエの軸なのかもしれませんね。ただ、その欲をただアウトプットするだけだと整合性がつかないので、僕のなかでは一年ごとに区切りをつけて総括し、次の作品に向けて考えていくようにしています。 ――カップリングの「Love is Gold」はバナナマンさんの単独ライブ『bananaman live Love is Gold』に起用されていましたが、この曲を作るにあたってどういう取り組み方をしたのでしょう。 成田：まずはタイトルとして『Love is Gold』ありきだったんですけど、この言葉自体がパスピエにあまりない単語の使い方だったので、そこをピックアップして、尺も意識しながらよりポップにしつつ、キャッチーに聴かせる部分はキャッチーに聴かせる感じで。短い時間でいかに気にかけてもらえるかという風に作りました。 大胡田：歌詞については、やっぱりバナナマンさんがいて、『Love is Gold』というライブがあって、そこで流れるっていうことがわかっていたので、その“Gold”の位置を「黄金色の果実」に置いているんですけども、お金ですとか、日々のうちにある輝かしいものなどをイメージして書きました。 ――今回の2曲はタイアップ的な制約がありながらの楽曲ということなのですが、そこで苦労することはありましたか？ 大胡田：私は、今まで書いてきた歌は自分のなかにある世界のことを書いてきたので、自分が作った世界じゃないものについて書くっていうのは、ちょっと立ち向かうみたいな気持ちがありますね。 ――立ち向かう、ですか？ 大胡田：ええ。そこにある世界を、私たちは曲とか歌詞とかで表現して引き立てる側だと思うんですけど、飲まれないようにするというか。そこでも、自分たちのやりたいことっていうのを確かに出していきたいなと思うので、ちょっと立ち向かっている感があります。 ――負けないように、なおかつ、自分たちの色もちゃんと出せるようにというバランス感ですかね。 大胡田：そうですね。バランスという言葉がしっくりくるかも。 成田：曲の部分だと、たくさん音楽は流れるなかで1回聴いて「これ良いね、満足」という反応だけで終わるものにしたくないので、アニメ尺の1分半だったり、CM尺の数十秒があるなかで聴かせて、「フルサイズはどうなるんだろう」と思ってもらえるような音楽的な仕掛けをしていきたい。今回のようにCM尺、アニメOP尺と、色々な形で段階的に見せれることに、僕自身は難しさよりも嬉しさを感じていますね。逆に何回もチャンスがあるという捉え方ができるし、複雑に聴こえるような小技も散りばめられるわけですから。 ――その小技はサビの作り方や、転調箇所といった感じですか？ 成田：ワンコーラスなりツーコーラスなり聴いたうえでの感覚と、全体で聴いたうえでの世界観にはある程度違いをつけないといけないと思ったので、落ちサビ前に壮大な展開を用意したり、ヘッドフォンで聴いたときに初めてわかるような細かい動きを入れたりしています。2回、3回聴いても、ここはこうなっているんだ、もう1回聴きたいなって思ってもらえるアイディアは絞ったつもりですよ。ギターフレーズが多いっていう話をさっきしていましたけど、たとえばイントロ部分では、ギターの上にキーボードが重なっていたりするんです。 ――あまりキャッチーに作りすぎると、サラッと流して聴けてしまうポップスになるし、奇をてらったフレーズばかりだと重くなってしまう。成田さんのなかで、キャッチーであるものと中毒性のあるものに対する線引きはどこにあるんでしょうか。 成田：僕はやっぱりサビの立ち位置だと思うんです。たとえば、料理のコースとか舞台とかでもそうですけど、何か1点を引き立てるためには、何かが後ろに下がる必要があるし、一気に全部が前に出てきてはいけない。いろいろなものが順番に組み合わさって、サビの段階で一番おいしい部分をいかにバンと聴かせるかが大事かなと。いわゆる、何度も聴きたくなる、「スルメ」と言われている音楽というのは、その辺が上手く作られているように思っていて、キャッチーと奇をてらう、どっちかに寄りすぎてもダメだし、フィフティ・フィフティだとするとどっちつかずの作品になりますからね。 ――「緊張と緩和」みたいなものを上手く曲の中で演出する感じですね。バンド全体でやるということについてはどう意識します？ 成田：僕は作家としてパスピエをやっているわけではなくて、バンドとしてパスピエをやっているので、ポップに意識が行き過ぎるのはどうなのか…という、葛藤はあります。これに関しては、今もまだ答えが見つかっているわけではないんですけど、これからは匙加減をいろいろと変えながら、やっていくんじゃないかなあと思いますね。
「武道館は両手放しでわーいとは喜べない感じ」（大胡田）
――大胡田さんは作詞の段階で、ポップなものになるようにどう手心を加えますか。 大胡田：中毒性については、私はあまり考えたことがないですけど…。似たようなフレーズでも、始まる音の高さが違ったり、繰り返したりするんですね。そういうところを見つけたら、そこへ似た音や同じ詞を付けて、言葉を繰り返して印象付ける歌詞にしています。大体繰り返しで使った言葉はテーマになるものが多いです。 ――歌いまわしなどでの工夫は？ 大胡田：曲によりますけれど、繰り返しの箇所ってサビに来ることが多いので、そこを強烈な歌い方で変えてしまうと、逆に言葉の力みたいなのが薄まってしまいます。なので、やりすぎない感じ、加減みたいなことは考えていて、「トキノワ」みたいにポップな曲でしたら、あまりクセのないような歌い方で。サビとかはボーカルを重ねるでしょうから、強烈すぎない、聴きやすい、何度聴いても大丈夫な歌い方にする感じです。 ――3曲目に収録しているCORNELIUSのカバー「NEW MUSIC MACHINE」は、これまでシングルで行ってきたカバーシリーズの最新版ですね。選曲の意図を教えてください。 成田：いろいろな周りのアーティスト、バンドが先人の楽曲をカバーするなかで、触れられていない曲をと思いました。それに「パスピエ、次はそうきたか！」と言ってほしいというのも動機として存在します。この曲は『FANTASMA』のなかでも、大胡田が歌っているイメージができたのと、歌詞に未来の年として「2001年」と「2010年」というワードが出てくるんですけど、僕らはもうその年を越してしまったわけで、今、それを歌うことが面白いなと思って。「2020年」とかにするべきなのか迷ったんですけど（笑）。 大胡田：この曲はもう素直にそのまま、というか。今までは割と自分でニュアンスをつけて、自分のなかで一回解釈して外に出すみたいな気持ちでいたんですけど、今回、この『NEW MUSIC MACHINE』は聴いて感じたまま、本当に流れに任せて歌えたっていう感じです。 成田：あと、渋谷系のムーブメントはパスピエのスタンスに繋がる部分は多いと思っていて。 ――「渋谷系」や「シティ・ポップ」というキーワードはここ1～2年で頻発していて、書き手も受け手も色々と解釈しているわけですが、成田さんはそこに進んで入っていく感じですか。 成田：いま、渋谷系やシティ・ポップのような音楽がもう一度若手バンドによってリバイバルされてるのって、J−POPというものへのカウンターであり、「もっとこうだったらいいのに」という問題提起なのかもしれないと思っていて。僕は80年代のシティ・ポップと現在の若手バンドがやってるものは違っていて、80年代は当時最先端だった音楽的技術を駆使して色々なエフェクトを使ったりという、未来への憧れのようなものがあったと解釈しています。今はものすごくいろいろなことが満たされているなかで、あえて音像をそちらに近づけているので、スタンスとしてはパンクに近いんじゃないかと思ったり（笑）。だからバンドとしてはニュー・ウェーブという括りの音楽をやっているなかで、今後このジャンルがどうなっていくのかはすごく考えますね。 ――冠で「ニュー」って付いているけど全然新しくはないという話になってくるわけですよね（笑）。 成田：ただ、新たにそこにムーブメントが起きて、新たな名前だったり冠がつくっていうことだとしたら、それはそれで面白いとは思うんですけど。「ポスト」自体も、昔からついている冠ではあるので、たとえば「リバイバル・ウェーブ」とか（笑）。 ――2015年第1弾となるこの作品はパスピエにとって重要作となるわけですが、現段階で「こうしたい！」という音楽的に明確な指針はあるのでしょうか。 成田：年末の武道館ですね。照準を合わせてそこに向かっていくこと自体、今までなかったことなので。去年に関しては『幕の内ISM』の世界観を引っ張ってツアーを行ったりした印象が大きかったんですけど、今年は一つ一つ山を越えていかないといけないと思っています。 ――武道館公演については、まだ先の話ではありますが、決まった直後としての意気込みを聞かせてください。 成田：本当に噛み締めているという感じですね。実際に興奮するのはステージに立ってからだと思うので、まずはいろいろなハードルを超えるための準備を始めていかなきゃなとは思っています。 大胡田：私は「今年に来たか」という感じ。いつかはきっとすると思っていたんですけど、それが今年だったということで…。武道館という場所を使ってパスピエをどういうふうに表現しようか考えていかないといけない。両手放しでわーいとは喜べない感じというか（笑）。 ――お二人とも、一度スーッと息を吐いてグッと構える感じですね（笑）。演出面でやってみたいことはありますか。 大胡田：ちょっと長めの映像を入れたいと思っています。そのときに出している作品と絡めたりして、まだはっきりしていないんですけど、絵を含めて視覚効果的に何かをやりたいですね。 成田：具体的じゃないんですけど、パスピエが武道館でやる理由っていうのを示せたらいいなと思います。ビジュアル、イラストは大胡田に託しているので、僕は演奏面で他に武道館でライブを行うアーティストたちと違うことができればと思います。
「北欧で僕らの音楽がただのポップスなのか、インテリジェンスなものなのかを確かめたい」（成田）
――そして6月にはホームと呼ぶべき自主企画イベント『印象D』も行われます。それぞれのゲストを招いた理由について聞かせてください。 成田：名古屋公演のゲストであるYOUR SONG IS GOODは、僕がバンドを始めた理由となったアーティストです。フジファブリックや東京事変など、ロックフェスでキーボードのあるバンドに目を惹かれたことがきっかけなので。大阪公演に出てくれるBase Ball Bearは、僕らが一番最初に出たライブハウスである『下北沢 GARAGE』を根城にしていた先輩みたいなもので。あと、東京公演ではレキシが果たして何分ライブをやるのかという点にも注目していただきたいです（笑）。 ――DJ UPPERCUTやtofubeats、PARKGOLFといったDJ陣のブッキングについてはいかがでしょうか？ 成田：僕らはバンドなので、やはりバンド同士の繋がりが多いんですが、やってみたいけど実現する場がないアーティストたちもいて、彼らがまさにそう。こういう機会に共演できて嬉しいです。 ――ちなみに、tofubeatsはパスピエのレーベルメイトですが、彼の音楽についてはどう解釈していますか。 成田：全部わかったうえで、ちゃんとアウトローのところを狙える部分は「策士だなあ」と思いますよ。あと、tofubeatsくんの音楽って、常に笑いを感じるし、良い意味でスカしてる。あれだけビッグネームと共演したら普通はブレていくはずなのに、それさえも飲みこんでるのはすごいし、表に出ている所以外の部分でしっかり考えているんだと感じます。 ――6月には海外展開として、コンセプト盤『OZASHIKI MUSIQUE』と『幕の内ISM』のLP盤『MAKUNOUCHI-ISM』をリリースしますが、自分たちの音楽を世界に届けるにあたって、二人の心境は？ 大胡田：海外の方が、日本の文化に関心を示しているなかで、パスピエの音楽に出会ってほしいと思いますし、興味の対象になれたらいいなと。そこに収録されている曲だけでは伝わらないものもあるとは思うんですけど。 成田：本当にゼロからの発信ということで、自分といても初心に帰るという意味で楽しみです。それに、音楽の歴史がどんどん積み重なって、日本のフェスにも海外バンドを招聘するようになっているなかで、僕ら自身ももっとグローバルに動いていきたいし、どの国だからどうこう、ということではない世界を見てみたいと思います。 ――今回はイギリスでライブを行うわけですが、今後行ってみたい国はありますか。 大胡田：私は…あ、それってパスピエで行ってライブをするってことですよね？ ――もちろんです。旅行してみたいとかじゃなくて（笑）。 大胡田：（笑）。やっぱりフランスですかね。まず、バンド名がフランス語なので。あと、フランスってクール・ジャパン的な盛り上がりがすごいと聞きますが、実際どんなものなのかは日本にいると分かりませんし、見てみたいという気持ちがあります。 成田：僕はイギリスから地続きということでいうと、ノルウェーやスウェーデンなど、北欧に行ってみたいですね。自分のルーツでもありますし、土地柄なのかどうかわからないですが、シティ・ポップと繋がる部分もあるのかなと思うんですけど、音楽的なインテリ感があるように思えるんです。そこで僕らの音楽がただのポップスなのか、インテリジェンスなものとして受け入れてくれるのかを確かめたい。あと、個人的にはやはり色々なものがある国だという意味では、アメリカにも行ってみたいですね。 （取材・文＝中村拓海）
パスピエ『トキノワ（初回限定盤）』
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Drop’s・中野ミホ、敬愛する４人のボーカリストを語る「キャロル・キングの持つ包容力が出せたら」
「未来に『ここから』という区切りはなくて、ちょっとずつ毎日変わっていくもの」
——4月22日にリリースとなる3rd EP『未来』の表題曲「未来」は、「春」の情景を通して未来というテーマを歌った楽曲ですね。このテーマは以前から温めていたものなのでしょうか。 中野ミホ（以下、中野）：以前から未来というテーマで曲を作りたいと思っていました。でも、10年後とかの未来ではなく、いつかはわからないけど漠然とした未来という。そういう未来をふとした瞬間に思うということを書きたいなと思っていました。 ——たしかに今回の曲は「瞬間」を歌った印象がありました。未来というと、キラキラしたイメージを伴うことが一般的ですが、中野さんが描く未来は、切なさも強く感じられますよね。 中野：未来といっても未来に「ここから」という区切りはなくて、ちょっとずつ毎日変わっていくものだと思っています。自分も相手も、人の気持ちはちょっとずつ変わっていくし、必然でもあるけど、それが切ないなと思ったりもして。 ——たとえば、高校生くらいに感じていた未来の感覚と今とでは、感じ方に変化はありますか？ 中野：学生のときは、毎日学校に行くのが当たり前で、先のこともあまり考えてなかった。でも学校を卒業してからは、自分で何でもやっていかないと前に進まなくなったので、そういう意味では「これからどうなるのかな」って自分を俯瞰で見るときはありますね。 ——歌詞では「ふたりしか知らない歌」というフレーズが印象的でした。 中野：最初は雲にのっている場面がありました。ふわふわと何もいらない、楽しい時間があって、それが理想とか夢だとしたら、現実は踏切が開かない。その向こう側の理想と現実の間でずっと待っているとか、そういう淡い色のなかでのイメージはありましたね。理想と現実の間にあることがリアルだと思うので、この場面も書きました。相手が恋人とじゃなくても、誰にも思い出の歌とかあるでしょう？ そのふわふわした感じがリアルだと思うんですよね。 ——楽曲としては、三拍子のリズムを採用したり、いろいろな音楽的なチャレンジの多い楽曲でもあります。 中野：コードは私が結構前から作っていました。バンドで合わせた時、はじめは四拍子でやってたんですけど、「なんか違うな」ってことで、三拍子になっていきました。その時ももっと突っ込むような速い三拍子だったんですけど、それも違うなって、最終的にはゆれるような三拍子になっていきました。歌詞をもうちょっとキリキリした切迫感があるものにしようと思っていたんですけど、三拍子にして淡い切ないものが見えてきたので、そっちがいいかなと思ったんですよね。 ——「切なさ」というのは、中野さんの声が生み出している面も大きいですよね。どんな気持ちで歌いましたか。 中野：「未来」には言葉を詰めているし、三拍子のリズム、そして歌自体がけっこう難しく感じたので、なるべくスッと歌いましたね。あんまりガチガチに感情を込めて歌うよりは、そっちのほうがいいかなと思って。歌っている側が気持ち良くても、CDになってリスナーが聞いたときに、さらっと歌ったほうが心に入ってくることが私はあるので、今回は抑制したほうがいいかなと思ったんですよね。Drop's 「未来」MV
荒谷朋美（Gt）
「もう一段階、いろんな人に聞いて欲しい」
——2曲目の「恋は春色」は昭和の歌謡ポップスというか、オールディーズの日本語カバーのような雰囲気がありますね。 中野：オールディーズっぽい曲をやりたいというのはずっとありました。コードを作ったときにキャンディーズとか太田裕美さんのような昭和のアイドルのような可愛らしさも欲しいな、楽しそうだなと思って。けっこうコテコテの歌詞も楽しんで書きましたね。 ——たしかに、楽しんで書いていることが伝わってきました。オールディーズ的な曲はコードも含めて、ある種のお約束がありますよね。この曲でいうと、「ディン・ドン・ダン」とか。メンバーはこの曲についてなんと言っていました？ 中野：意外と違和感なく受け入れていました。それぞれのソロもこうしてほしいと私が伝えて思い通りになったので、私としてはそれも楽しかったです。 ——3曲目の「Purple My Ghost」になると、ブルージーでバンドの特徴もよく出た曲に感じられました。 中野：ギターの荒谷が前から作ってあったリフをバンドに持ってきて、去年の冬くらいにできた曲ですね。荒谷が持ってきたリフがすごくハードだったので、そこからイメージして言葉を集めてきて、自分の言いたいことも含めて書けたかなと思います。楽曲としては、荒谷はハードロックが好きなので、そういうところが曲に出てると思います。 ——4曲目には、キャロル・キングの「You’ve Got A Friend」をカバー。原曲のアーシーでせつない、70年代のウエストコーストの雰囲気をバンドでうまく再現していて、キャロル・キングへのリスペクトを感じました。この曲を選んだ理由は？ 中野：私はキャロル・キングがすごく好きで、弾き語りのライブでほかの曲をカバーしていたんですけど、今回バンドでやるにあたって、みんなが知っている曲がいいかなと思って、この曲を選びました。キャロル・キングのナチュラルで暖かくて女性らしいところが素敵だと思っていて、彼女の持つ包容力というか、そういう部分が出せたらいいなと思って歌いました。 ——ボーカルとして、あるいはDrop’sとして目指すものと、キャロル・キングの音楽は重なるところはありますか？ 中野：飾らないところというか、何かを狙っているんじゃなくて、自然体のままでやっている感じですね。そうなれたらいいなと思います。キャロル・キングの作品では『Tapestry』（つづれおり）が好きで中でも「（You Make Me Feel Like）A Natural Woman」が好きですね。 ——キャロル・キングはたくさんのアーティストがカバーしているのですが、あの生っぽい雰囲気を出すのは難しいようなイメージがあるのですが。 中野：コードとかもけっこう難しくて、メンバーはだいぶ苦労してたみたいです。ただ、ギターソロは入れたんですけど、「ああしてこうして」というよりは、Drop’sでそのまま演奏したという感じですね。原曲はピアノがメインのようなところがあるので、ギターは荒谷の色を出してもらったほうがいいなと思って。 ——今のDrop’sのスタンスが見える今作でしたが、今後、バンドとしてはどのように進んでいきたいですか？ 中野：新曲もどんどん作ってますし、もう一段階、いろんな人に聞いて欲しいという気持ちはありますね。ライブでは今年も変わらず自分たちがカッコいいと思うことをやって、見ている人を夢中にさせるライブをやって行きたいと思います。
奥山レイカ（Dr）
中野ミホ（Vo&Gt）
「まず声があってそこからどう表現していくか」
——今回は、ボーカリストとしての中野さんについても聞いていきたいと思います。作品を作っていくうちに「こんな歌を歌いたい」「こんなボーカリストになりたい」という思いが生まれているのではと思いますが、今、ボーカリストとして、どのようなところを目指しているのでしょうか。 中野：やっぱりいろんな歌が歌えるようになりたいし、私だけど私じゃないというようなところがあっても面白いと思います。でも、ブレない軸はちゃんとあって、その上でいろんな曲や表情がある歌い手になりたいです。自分の声についても聞かれることが多いですけど、自分の声は好きですし、まず声があってそこからどう表現していくかを考えたいですね。 ——ボーカリストとして、今後、何を目指すのかを伺う意味でも、今回中野さんの好きなボーカリストを挙げていただきました。それはTHE BACK HORNの山田将司さん、エレファントカシマシの宮本浩次さん、山口百恵さんですが、３人とも世代も方向性も違っているけど、唯一無二の個性を持つ方たちですよね。まず、THE BACK HORNの山田さんを挙げた理由を教えてください。 中野：私が中学生のときに、初めてTHE BACK HORNを聞いて、すごく救われたというか心の支えになって。山田さんの歌はCDももちろんですけど、ライブで聞くと、本当に心にすっと歌が入ってくるというか。だけど、曲によって表情が違っていて、すごく色気があるし、背中を押してくれる歌もあって、素晴らしいなと思ってすごく好きです。 ——実際にライブも何回か観てますか？ 中野：はい。ファンクラブに入っていたので（笑）。 ——特に好きなアルバムや楽曲は何ですか？ 中野：それこそ「未来」という曲は、歌いだしが好きですね。初めてギターで弾き語りをしたのもTHE BACK HORNの「冬のミルク」という曲です。別に誰に聞かせたわけでもないんですけど。 ——では、次にエレファントカシマシの宮本さん。いつ歌を聞いたのでしょうか？ 中野：たぶん、エレカシも中学生のときですね。最初にベストアルバムを聞いて、「悲しみの果て」がすごくいいなと思って。そこからですね。 ——宮本さんは、日本の音楽シーンの中において、まさに孤高のボーカリストだと思います。けっして真似できる人ではないというか。彼の歌の魅力はなんだと思いますか？ 中野：人間がそのまま出ている感じがすごくカッコいいし、ステージもハチャメチャだけどクッとくるじゃないですか。「本当にそういう人なんだな」という感じがして、観ていて元気になれるし、本当に涙が出るぐらいに歌がストレートに入ってくる。あの感じがすごく好きですね。 ——「悲しみの果て」を挙げてもらいましたが、特に好きなアルバムは。 中野：『STARTING OVER』はいつも聴いていますね。 ――〈ふたり並んで腰かけていた井の頭公園で…‥〉というフレーズが頭に浮かびます。 中野：そうですね、「リッスントゥザミュージック」も入ってます。札幌でのライブもよく行っていました。歌詞に街の風景がいつも出てきて、散歩してる感じとか、すごくわかるなと勝手に思ってます。 ——そして、山口百恵さんは、また違ったジャンルの偉大なシンガーですが、どのような理由で挙げていただいたのでしょうか？ 中野：声が低いけど、すごく色気があるし、ずっと色あせない美しさがあるなと思って。日本語がすごくきれいに聞こえるというか、細かいことなんですけど、「が」などの濁音の発音がすごく好きで真似したくなります。けっこうロックっぽい曲もあるけど、それもそのままのテイストで歌ってる感じがカッコいいなと思うんです。 ——「さよならの向こう側」などのバラードっぽい曲もあれば、ロックっぽい曲もありますよね。好きでくり返し聴いているのは、どのような曲でしょうか？ 中野：「横須賀ストーリー」とか、「ロックンロール・ウィドゥ」は歌ったりもしましたし、カッコいいなと思います。 ——彼女は若くして引退しているから、実は全盛期の山口さんと今の中野さんは同世代ですよね。 中野：それがもう信じられないですよね。 ——映像で観てもすごく大人っぽいですよね。中野さんにも独自のスタイルがありますが、挙げてもらったボーカリストから学ぶこと、参考にすることはありますか。 中野：私は、自然と好きなものがしみ込んでいるというのがあると思いますし、ステージ上での細かいふるまいとか、「これ、カッコいいな」と思ったらやりたくなるときはありますね。例えば山田さんだったら、モニターに足をかけたりとか（笑）。時々やっちゃいますね。山田さんも言葉がしっかりはっきり聞こえてくるのがすごいし、それが魅力だなと思います。
小田満美子（Ba）
「自分たちのロックンロールは大事に作っています」
——今回のDrop'sの作品に話を戻すと、歌詞の言葉をほとんど一発で聞き取れるんですよね。中野さんご自身も、言葉を明瞭に伝えるというのは意識していることですか？ 中野：そうですね。やっぱり言葉はちゃんと聞こえないと嫌だなと思うので、そこは気をつけています。 ——中野さんはボーカリストであり、ある意味、詩人でもあると思うのですが、今後、書き手として「こういう風景を描いていきたい」「こんな歌を届けたい」というのはありますか？ 中野：特に今、私たちは曲の幅が広くなってきているし、いろんな内容の歌があっていいと思うんですけど、聞く人が風景が思い浮かべたり、生活のなかで聞いて、ふといい気分になれたり、一行でも「あ、これわかるな」とか「いま見ている風景に合ってるな」とか、そういうことを感じてもらえたらなと。あとは、自分が全然違う世界を見ることができたら、それを提示できる詞を書きたいと思います。今も札幌に住んでいるんですけど、東京は全然違いますし、でも面白いと思うことはたくさんあるし、それも含めて見たものとか、気持ちをこまかく記録して、歌詞にして残したいなと思いますね。
石橋わか乃（Key）
Drop's『未来』（STANDING THERE, ROCKS / KING RECORDS）