『ワイルド・スピード ＳＫＹ ＭＩＳＳＩＯＮ』
『ワイルド・スピード スカイミッション Soundtrack』（ワーナーミュージック・ジャパン）
日本でもついに大ヒット！ 『ワイルド・スピード』現象の鍵はマイルドヤンキー層へのリーチ？
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geek sleep sheepが体現する、バンドの楽しさと醍醐味「音のやりとり、コミュニケーションがすごくある」
「（１stアルバムで）止まりたくないという気持ちがあった」（yukihiro）
ーー2ndアルバム『candy』が完成しました。１stアルバム『nightporter』から約1年半ぶりの新作ですが、メンバーのみなさんの活動を考えると、かなり早いペースだと思うのですが。 momo：出来ちゃいましたね（笑）。２～３ヵ月に１回くらいですけど、１枚目の後もコンスタントに曲作りとリハをやってたんですよ。その間もデモのやり取りをしたり。 yukihiro：１枚目が作れた段階で「出来過ぎだな」という感じだったんですね。「アルバム１枚作っただけで、ここまで来れた」という達成感があったんですけど、そこで止まりたくないという気持ちがあって。すぐに次の活動に向かいたいなと思いましたね。 345：ライヴをやったことで「もっとこういうふうにしたい」というところも出てきたし、メンバーそれぞれ、グッと近づいた感じもあって。その感じのまま、今回の作品も作れたのかなって。 ーー「近づけた」というのは、演奏のことですか？ 345：それもですし、人間的にも。お互いに心を許してきたというか（笑）。 momo：「音のやりとりを楽しむ」という感じは最初からあったんですけど、ふだんの会話だったり、人間的な部分、３人でいるときの空気感も、バンドにとってはすごく大事で。どれだけ「こういう感じでやりましょう」と決めたとしても、その通りにはいかないですからね。geek sleep sheepとしてはまだそんなにライヴの本数もやってないですけど、１本やるたびにメシ食いながら話したり、「いますぐ、もう１回やりたいね」みたいなことを言い合って…。 そういう会話を続けていくことで、「あ、そういうふうに感じてるんだ？」とか「その着眼点はおもしろいな」ということにも気づいて。要は気兼ねなくやり取りできるようになってたんですけど、その状態は今回のレコーディングもまったく変わらなかったんですよ。バンドっぽさが増しているなって思いながらやってました。 ーーもともと通じ合うものがあるんでしょうね。３人に共通するコードみたいなものが。 momo：そうなんですかね？ キャラ的には、yukihiroさんと僕はぜんぜん近くないですけど。 yukihiro：（笑）。 momo：音楽的なところでは「こういう感じでやりたいんだけど」「じゃあ、ギターはこうですよね」って感じになるんですけど、それ以外はほぼ新鮮なことばかりですね。趣味とかもぜんぜん違うし。 yukihiro：僕はお酒も飲まないので、geek sleep sheepが動いていないときは会う機会も少ないですからね。 momo：その違いが良かったんだと思います。いい塩梅で距離感が取れてるというか。
「３人で演奏するときの気持ち良さをもっと追求したい」（momo）
ーーなるほど。geek sleep sheepのメインソングライターはmomoさんだと思うのですが、今回のアルバムの曲作りに関して、前作との違いはありましたか？ momo：３人で演奏するときの気持ち良さをもっと追求したい、というのはありましたね。デモはすごくザックリしていて、曲の流れだったり、「ギターと歌メロはこんな感じ」ということだけがわかる程度なんですね。あとは３人でスタジオに入って、何度も演奏しながらアレンジを組立てていくので。 ーー実際にセッションすることで、演奏の気持ち良さを高められる？ momo：そうですね。その場で細かい説明をすることもなくて、ベース、ドラムに関しても「お好きにどうぞ」という感じなので。 345：曲作りの時に何回も同じ曲を演奏するんですけど、yukihiroさんが突然、まったく違うドラムを叩いたりして。それに対して「じゃあ、私はこうやろう」と反応していく感じですね。 ーー「次はこういう感じでやろう」みたいな話はなく？ 345：ないですね。いきなり来ます（笑）。 momo：「ドラムってそんな楽器だったっけ？」って思うくらい、ガラッと変えてくるよね。 345：しかも、すごい無表情で。 yukihiro：（笑）。 momo：それはね、yukihiroさんの照れ隠しも入ってると思うよ。「どうだ」って顔するのもアレだし…。 ーーyukihiroさんとしては、思い付いたアイデアをどんどん試そうということなんですか？ yukihiro：早くポイントを見つけたいんですよね。そのときに演奏している曲に対して「何がポイントなのかな？」というのを探りたいので。 momo：なるほど。 yukihiro：自分なりに曲のポイントをピックアップしながら演奏して、「どういう反応が来るかな？」って。それが上手くハマればカッコ良くアレンジできるだろうし、反応があまり良くなければ、違うことをやってみる。セッションしながら曲を作っているんだから、そういうことをやらないと意味がないと思うので。練習しているわけではないから、閃いたアイデアは試していかないと。 ーーいきなりまったく違うドラムを叩くことには、明確な意図があると。 yukihiro：そうですね。たぶんドラムって、「そこが決まらないと、次に進めるのが難しい」というパートだと思うんですよ。だからこそ、僕が早い段階でアプローチしたほうがいいかな、と。そういうやりとりも楽しいですからね。 ーー確かにドラムが軸になっている曲も多いですよね。特にyukihiroさんが作曲した「kakurenbo」のドラムは素晴らしいと思います。リズムと歌だけで曲が成立しているというか。 momo：そうなんですよね。メロディ楽器にもなるんですよ、yukihiroさんのドラムは。 yukihiro：その曲はタイム感を掴むのが難しかったですけどね。レコーディングのときも、ふたり（momo、345）に延々と付き合ってもらって。「ライヴなどを重ねて、掴めてきてるところもある」（345）
ーーmomoさんのギターも前作以上に激しさを増していて。たとえば「feedback」のフィードバック・ノイズもそうですけど、ギタリストとしての個性がさらに発揮されているな、と。 momo：１stのときは少し“余所行き”だったかなっていうのもあって。これもライヴをやってみて感じたことなんですけど、もっと激しく弾きたくなったんですよね。ノイジーなんだけど、美しく聴かせられるような曲を増やしたいっていうのもあったし。 ーー「ノイジーで美しい」というのは、このバンドのひとつの特徴ですよね。ギターに関しても、意見のやり取りがあるんですか？ yukihiro：momoくんに任せてます。たまに口出します（笑）。 momo：今回のレコーディングでも、「この３人でやれば、ギターはいかようにも出来るな」っていう感じがあったんですよね。（曲を作り始める）スタートの時点では、たとえば「スマパンみたいな感じ」とか「バックのギターはシューゲイザーっぽく」という話もしてるんですけど、歌メロと歌詞が乗って出来上がってみると、まったく違うところに行けているような手応えがあって。 最終的にはちゃんとgeek sleep sheepの曲になるというか。知ってる人が聴けば、ニヤッと出来るポイントも入れてるんですけどね。 ーー確かに（笑）。345さんのベースラインも前作以上に個性が出ている印象を受けました。全体的にメロディ感が増しているというか。 345： geekの曲は構成がしっかりあるので、（Ａメロ、Ｂメロ、サビなどの）段階に合わせたフレーズを意識してますね。 momo：フレーズの当て方が独特だなって思ってたんだよね。そうか、そういうことなのか。 ーーmomoさん、345さんのヴォーカルについても聞かせてください。今回はさらにデュエット感がアップしていると思うんですが…。 momo：デュエット感（笑）。 345：（笑）。ライヴなどを重ねて、掴めてきてるところもありますからね。あと、momoさんが私の声の出しやすいポイントを汲み取ってくれて、「ここらへん（の音域）が歌いやすいでしょ」っていうのを探ってくれてる感じもあって。 momo：１stアルバムを聴き直して、ふたりのハーモニーが気持ちよく響くところを確認したんですよね。いくつか方程式も見つかったので、それもかなり使ってます。僕がダークなギターを弾いても、345ちゃんが歌えばピュアな感じになるし。 345：（笑）。 momo：345ちゃんが歌う曲に関しては、声を思い浮かべながら歌詞を書いたんですよ。それも前作との違いだと思いますね。 ーーアルバムの最後に収録されている「color of dream」は345さんの作詞ですね。 momo：アルバムの最後は厳かで静かな曲にしようって話してたんですけど、すごくネイキッドな感じになったから、345ちゃんの心から出てくる言葉で歌ってもらったほうが、よりグッとくるだろうなと思って。 345：タイトルはyukihiroさんに付けてもらったんです。歌詞を書いて、歌を録ったあとで、yukihiroさんから「これでどう？」という提案があって。 momo：けっこうタイトルを付けてもらったんですよね、yukihiroさんに。「planet ghost」「floating in your shine」もそうだし。ドラマーとしての役割と同じくらい、名付け親として活躍してもらいました。 ーーアルバムタイトルの「candy」は…？ momo：それもyukihiroさんです。それが最初なんですよ、じつは 345：そこから怒涛のタイトル付けが始まりました（笑）。 ーーちなみに「candy」というタイトルの意味は？ yukihiro：意味というよりは、イメージですね。 momo：シンプルなタイトルがいいって話してたし、いろんなニュアンスがある言葉ですからね。 ーー「candy」というと、ジーザス＆ザ・メリーチェインの名盤『PSYCHO CANDY』を思い出したりもしますが。 momo：ですよね（笑）。まあ、それもありつつ。「バンドらしくイチからやりたい」（momo）
ーー曲の作り方もタイトルの付け方も、やりたいことをやってるという手ごたえが感じられますね。純粋にバンドを楽しんでいるというか。 momo：そうですね。無理せず、自分がいままで聴いてきた音楽とか、好きなものをそのまま出してもいいっていう感じなので。 345：おふたりに受け止めてもらってます。 ーー素晴らしいと思います。最近のバンドって、シーンの流れとかトレンドを分析したうえで、音楽性や活動のスタイルを決めている人たちも多くて。そういうスタンスとは違いますよね、geek sleep sheepは。もっとピュアに音楽と向き合ってるというか…。 yukihiro：…なんかバカっぽい（笑）？ ーーいやいやいや、そういうことではなくて。 yukihiro：わかってます（笑）。褒め言葉として受け取ります。 momo：この年齢で新しいバンドを組めたこともすごく幸せだと思いますからね。ある程度は知恵も付いてるけど、あえてそれに頼らず、バンドらしくイチからやりたいというか…。yukihiroさんもこっちの出方をちゃんと受け止めてくれるし、音のやりとり、コミュニケーションがすごくあるんですよ。初めてスタジオに入ったときの緊張感はハンパなかったし、「ああしろ、こうしろ」って言われるんだろうなと思っていたというか…。 345：「こうやって弾いて！」とか。 momo：そういうことは一切言われたことないですからね。身も蓋もない言い方ですけど、「バンドをやりたいんだな」っていうか。 ーーメンバーの関係性は完全にフラットですからね。 yukihiro：うん、バンドをやろうと思ったので。スタジオにメンバー募集の紙を貼っても良かったんですけどね。「当方ドラマー。オルタナやりたし」って。 345：「ギター、ヴォーカル、ベース募集」（笑）。 momo：「完全プロ志向」（笑）。脱線しちゃいますけど、地方に行ったときにすごいメンバー募集を見たんですよ。「当方ドラマー、U2やりたし。ボノ、エッジ求む」って。 yukihiro：すごいね（笑）。 momo：もともとバンドって、それくらいの勢いで始めるものですからね。 ーーバンドの楽しさがもっと伝わるといいですよね、ホントに。最後に東名阪３か所で行われる「tour geeks 2015」について聞かせてください。ヒトリエ、People In The Box、ストレイテナーをゲストに招いてのツアーとなりますが、どんな内容になりそうですか？ momo：いまちょうどそれを話しているところなんですけど、お互いのバンドがより絡めるようにしたいですね。セッションなのかカバーなのかわからないけど、化学反応が生まれるようなイベントにしたいので。 ーーyukihiroさんは対バンというのは珍しいのでは？ yukihiroそうですね。geek sleep sheepを始めるまで、対バンは久しくやってなかったので。 momo：あ、そうか。 yukihiro：他のバンドのドラマーがいるってだけで、こんなに緊張するのかと。リハを（他のバンドのメンバーに）見られることもなかったし、新鮮ですね。 （取材・文＝森朋之）
geek sleep sheep『candy』（ビクターエンタテインメント）
チャットモンチーが語る“音楽と寄り添う人生”「その時の自分の状態によって、音楽は変わっていく」
「ずっとギターが鳴ってなくてもいいと気づいた」（橋本）
――シングル『ときめき／隣の女』のインタビュー（チャットモンチーが明かす、デビュー10周年の現在地「やりたいことが進化しているのはすごく幸せ」）では、当時制作中の本作について「ヒッピーもいればボンテージの人もいる、アイドルもいればラッパーもいる」と語っていました。実際のアルバムは、4パターンの編成による多彩なサウンドで、まさに新機軸を打ち出した作品になりましたね。 福岡晃子（以下、福岡）：チャットモンチーは3ピースのときからずっと“引き算”ばかりしてきたから、音が増えることやメンバー以外の人とやること自体がまず大きな変化でした。でも『こころとあたま／いたちごっこ』あたりから音を重ねる作業にも興味が出て。そうすると、やりたいジャンルが次々に出てきて、それで今回、いろんなものに挑戦してみたんです。だから、自分が個人的に好きな音も入れられて。そういう意味でもかなり好きなアルバムになりましたね。 ――具体的に、好きな音を入れた曲とは？ 福岡：アルバムの曲で最初にできた、3曲目の「ぜんぶカン」というラップの曲です。ああいう曲は今までのチャットにはなかったので、作ってみたいという思いがありました。まず、えっちゃんがラップの詞を作ってきて、それをアコギで披露してくれて。そこでメロディがわかったから、もう一度作り直した、という感じです。 ――絵莉子さんご自身の中に、ラップという引き出しがあったのでしょうか？ 橋本絵莉子（以下、橋本）：いや、ほぼないです（笑）。スチャダラパーさんとコラボして曲を作ったり（「M4EVER」／スチャダラパー『1212』収録）、group_inouさんとライブしたりして、その頃から芽生えてきたくらい。この曲はギターを弾いてないんですけど、アルバムとしても今回はギターの居所を考えたというか、ずっとギターが鳴ってなくてもいいということに気づいたんです。“あたしが鳴らさなくてもいい”という意識を持てたのは初めてでした。 ――なるほど、ギターのポジションが大きく違うわけですね。晃子さんはトラックを作る際、どんなサウンドをイメージしました？ 福岡：ヒップホップの作り方を全く知らなかったから、「どうやって作ってるんやろ？」っていうところからのスタートでしたね。とりあえず、ビースティ（・ボーイズ）っぽいのがいいなと思いつつ、ドラムから作ってみて。本当はドラムの一音一音をサンプリングしてビートを作るんでしょうけど、本当にわからないので、自分で叩いたドラムを変換して、後で音を乗せ変えてみたりしたんです。そういう作業も初めてでしたね。 ――ビースティ・ボーイズの『イル・コミュニケーション』あたりの感覚ですね。 福岡：そうですね。なんか、上手さよりもワクワクする感じのビートのほうが生っぽくていいいかなって思いました。一方で、ウワモノはけっこう機械っぽくてもいいのかなと。 ――パンキッシュなバンドっぽい部分とダンスミュージックがミックスされていて、ヒップホップでもあるし違うものでもある、斬新なダンスナンバーになっていると思います。 橋本：この曲ができたから、またギターをちゃんと使った曲をやりたいと思いました。最後まで「これやったから今度はこっち」って、幅を感じながらアルバムを作っていきましたね。
「一貫していることは、ふたりともポップが好き」（福岡）
――その点、1曲目の「きみがその気なら」はロックナンバーで、アルバムの“強さ”を印象づけている曲ではないでしょうか。 福岡：この曲はもともと人に提供するつもりで、2ピースのときに作ったんです。けっこう思い切った曲で、チャットでは歌わないような歌詞を書いてみたんですよ。でも結果的に提供するという話がなくなって、チャットでやるなら歌詞を変えようと思ったんですけど、えっちゃんが「そのままでええんちゃう？」って。 ――＜この地球で生き残るのだ＞＜生命力が響いている きみがその気なら＞というフレーズはインパクトありますね。「そのままで」となったのは、チャットでも歌えると思ったからでしょうか。 橋本：この『共鳴』っていうアルバムにぴったりだと思ったからです。歌詞に「乙女」が出てきたり「男」が出てきたりっていうのが、このアルバムを物語っているようで「すごい、予言者！」って思ったし、メロディもすごくいいなと思えたので。 ――男陣と乙女団のアレンジに関して、乙女団は「あ・うん」の呼吸で仕上げが早いけれど、男陣は理想形をとことん追求するので時間が掛かる…と、前回お聞きしました。この曲に関してはじっくりと練り上げていったのでしょうか。 橋本：レコーディングの終わりのほうで作った曲で。それで、この曲を男陣でやるか乙女団でやるか、それともみんなでやるかってすごく悩んだんです。結局、男陣でやるって決めて。もともと２ピースのときに作ってた曲だけれど、提供するつもりだったから、ベースもギターもドラムもリフも全部入ってたんですよ。なんとなくの完成型もあって、「こんな感じ。これをみんなで」というイメージだったので、方向性はそんなに迷わなかった気がします。 ――今作の収録曲では、男陣と乙女団の楽曲のサウンドが割と分かれている印象があったのですが、この曲に関してはフラットな感じがしました。それぞれのサウンドを改めて振り返ってみるとどうでしょう？ 橋本：男陣は“四角とか三角とか定規で測る”みたいな感じで、乙女団は“布とか丸とか、ちょっと測れない”感じ。やっていくうちに、そんなイメージになりました。 ――確かに乙女団による「最後の果実」には、布のイメージを感じます。 橋本：はごろも感がありますよね。天女みたいな、そんな感じがします。 福岡：男と女の音の差がこんなに顕著に音に出るんやって、すごく強く思いました。もちろん、個人の性格の違いはあるんですけど、統計して「男と女ってこんな感じなんやな」っていうのが思いっきり音に出てるんちゃうかなって。そのぶん、私たちが中性的やったんやなって思いました。男陣といるときは男性寄りになれるし、乙女団といるときは女だったことを思い出すんですよね（笑）。 ――なるほど。男陣、乙女団それぞれの楽曲で見えてきた、チャットモンチーらしさというものがあるのではないでしょうか。 福岡：一貫していることは、ふたりともポップが好きなんですよね。だから、人に伝わらないことはあまりしない。でも、「こうしたい」という気持ちが毎日変わるんですよ、ライブでも、アレンジでも。ふたりとも思いつきが多いというか、バンドをどうしていくか、どうあったほうがいいかと考えている時間が長いんでしょうね。日々「もっとこうやったほうが面白いんじゃないか」って思ってるから、そのスピードが早くて。考えが先に及ぶから、ここ数年のアルバムは以前と全然違うことになってきてるんです（笑）。 橋本：私はこういう内容のアルバムになると思ってなかったんです。『変身』から考えると。チャットモンチーには、いつもいま思っていることじゃないことが起こるんですよ。だから、どうなるか自分でもわからない。いいことを言うと、“計り知れない”というか。 ――『変身』のときに考えていた未来のチャット像とは変わってきていると。 福岡：とりあえず、“えっちゃんが子どもを産んでからじゃないとわからへん”ということもありました。それで全く変わってもいいし、そのままでもいいって。とにかくその時の自分たちの状態によって音楽が変わるのはすごくいいことだと思っていて。特に私は、チャットがこうあり続けなきゃいけない…って思いすぎることが多いので、それはもう自分たちの身に任せようと。自分たちの歩むべき人生に音楽を寄り添わせるのが、いちばん自然なんじゃないかと思うんです。 橋本：高校から音楽をやっていて、出産前後は、これまででいちばん音楽活動をしなかった時期なんです。十何年ぶりに、音楽に携わらない、端から見てるという時期だったから、その間はすごく不思議な感覚でした。 ――音楽やチャットのことは常に頭の中に？ 橋本：バンドをやっている感覚が鈍るんじゃないかという思いがいちばん強かったです。でも、一日くらいで戻った気がします。久しぶりにスタジオに入って、最初は、少しだけ戸惑ったけれど、やっぱり大きい音出すっていいなと思って。そういうのって、ずっとやってたらわからないことですよね。バンドでジャーンってやる感じとか、わぁって思いましたね（笑）。 ――お休み中は、おふたりのなかで創作意欲は継続していたのでしょうか。それとも一区切りがあったのでしょうか。 福岡：どうだったんだろう。でも、演奏とか、音楽と離れることがなかなかないから、それが逆にいい機会だと思ってお互い過ごそうと。私は海外に行きまくってましたね。外国でどうやって音楽が鳴っているかというのが気になって。それもすごく勉強になりました。外国だったら、BGMが生演奏だったりとか、ストリートミュージシャンにお金を払う感覚が日本と違っていたりとか。プロでもその辺で演奏していたり。「やっぱり自由やな」というのは、海外に行って思って、それと自分たちがどうということは直接的にはないけど、「こうあるべき」というのを思いすぎなくてもいいんやなと思いました。それが男陣とか乙女団とか新体制にも表れたんだと思います。「徳島に帰ると、かなりフラットに戻れる」（福岡）
――なるほど。作品のお話に戻りますが、5曲目の「毒の花」は晃子さんが作詞の新しいタイプの曲。前作の『ときめき／隣の女』に引き続き、静かな鋭さがある曲ですね。 福岡：この曲は徳島で書いたんですけど、故郷にいると、東京にいる自分を客観的に見れるというか。徳島に帰ると、かなりフラットに戻れるんですよ。普段こんな感じだなって。例えば、自分自身が毒というものだとしたらどうだろうと考えると、すごく孤立しているものに思えますよね。でも、自分より強力な毒に会うと抑制される…人ってそういうものかなって、自分のことを考えたときにそう思ったんです。 ――より大きな毒の前だと飲み込まれてしまうというのは、人間の一種の悲哀みたいなものでもありますよね。 福岡：でも、滅多に毒同士で会うことってないし、自分も他人を刺してしまうこともあったりする。（毒とは）滅多に交われないけど、制されるときがあるというか。とはいえ、人として生きるみんなのことを「花」って例えている曲でもあるんですよね。そういう感じで、なんかうまく言えんから歌詞にしてます（笑）。 ――そうしたユーモラスな毒っ気のようなものは、チャットモンチーのこれまでの曲にも見え隠れしていましたが、今度のアルバムではかなり全編に散りばめられている印象でした。 橋本：毒っ気があるからこうやって曲にもなるし、「これ私のこと！」って言ってる人も多いんですね。みんなが思っていることなんだな、みんな毒を持っているんだなっていうことも、今回感じました。 ――みんなが思ってるけど、普段は言わないことを歌う。 福岡：そういうのを歌ってる人が少なすぎるだけかも。私にとってはけっこう普通のことだと思うから、言っちゃえと思って書いてるんですけど、「毒がありますよね」「グロテスクですよね」ってすっごい言われて、「そんなにか」と思って、けっこう反省したり（笑）。本当に普通に恋愛や家族の曲を書くように出てきただけなので、取り立ててそれにメッセージを込めたってことじゃないんですよ。 ――先ほど自分を客観視するという話が出ましたが、6曲目の「私が証」にも自分自身と向き合うような印象がありました。 橋本：「私が証」の歌詞は2年くらい前の歌詞で、いろいろ考える期間もあった時期のものだから、“今までとこれから”みたいな感じがありますよね。チャットモンチーとしてやっていく上での気持ちというか。 ――音楽を作り続けることに重圧を感じることもありますか？ 福岡：音楽を作るということは苦ではないんですけど、作る期間は、やっぱり定時で仕事する人たちがその時に見聞きするものを全部インプットするような気持ちでいます。全部見て、それを何かに変えてやろうと思うから、そういう意味でちょっと疲れることはありますね。あと、自分が傷つかずに歌詞を書くのは難しいなと、今回すごく思いました。毒というか、自分が周りにどういう人って思われてもいいというか、作品が良ければそれでいいと思えるようにはなりました。 ――普段言わないことも、創作の種となるというか。 福岡：そうですね。もういいかなと思って（笑）。チャットモンチーはあまり自分たちとかけ離れたことは歌わないバンドなので、フィクション、ノンフィクションでいくと、ノンフィクションのことが多いんです。いま現在の自分がそういう人間なんだと認識されてもいいから、そのときしか書けないことを書いたほうがミュージシャン的には嬉しいというか。そのまま出せるのは自分とバンドの状態がいいということですからね。 ――今回、西 加奈子さんが歌詞を書かれた曲（9曲目の「例えば、」）もあって、ある意味では異なる血が入っていますよね。でも、すごくチャットモンチーらしい曲でした。 橋本：ちゃんとチャットモンチーの曲になりました。もともとすごく好きな作家さんだから、交わらないはずはないとは思います。もちろん、「大好きな西さんの歌詞や！ わぁっ」て思ったけど、好きやからこうなるよねって。 ――交わる部分というのは、どういうところで感じましたか？ 橋本：サビの＜僕らにまつわるすべてのことは ひとつも欠けてはいけなかった＞という部分は、10周年のチャットにすごく交わるなと思いました。 福岡：私も歌詞を見たときに“自分たちのことかな”って思いましたね。あと、作家さんというのがすごくいいハードルになったというか。西さんの本が好きな人も、チャットの音楽を好きな人もいいと思えるものを作りたいとすごく思ったんです。「やって良かった」と思えるものになるには、その歌詞にそって、ふたりで演奏するのがいいかなと思いました。 ――だからこそ、この曲はチャットモンチーのふたりで作ったと。おふたりの考える西さんの言葉や作品の魅力とは？ 橋本：歌詞と作品とではまた違うんですけど、文字を読んでいて想像が広がるし、「こういうことを文章にしてくれたんだ！」という感覚があります。きっと、チャットの歌詞の「毒」もそうやって思ってくれている人が多いと思うんです。「こういう気持ち、こうやって書くんや」「でも、難しくなく書いてるから、思いつかなかった」っていうことが多々起こって、西さんの本は特にそれのくり返しというか。「わっ」って驚くことばっかりだから、そういうのが好きなんでしょうね。 ――さて、対バンツアーが発表になりましたが、これもかなり自由ですよね。たとえば、広島公演で共演する柳沢慎吾さんが何をするんだろうとか。 福岡：柳沢慎吾さんは何をしてくれるのかまだわかんないです。ダメもとでお願いしたらOKを頂けました。とにかく人を引きつける魅力が百人力くらいある人なので、そういう意味ではめちゃくちゃ強力、バンド並みに音圧がすごいと思うんですよ。このツアーは基本的に、チャットが好きなバンドをお客さんに好きになってもらったり、個々で見たことがあっても、一緒にいるのは見たことがないとか、組み合わせ的に面白いものを見てもらったり、というポイントをすごく大事にしています。イベントを組むのも、出るのもアマチュアのときから多くて、一日6組くらいのイベントに出る世代だったので、どうしてもイベントをやりたがるところがあって（笑）。あの感じって絶対に楽しかったし、ワンマンで見るのももちろんいいけれど、そこでしか出会えないこともすごく大事やでって思いますね。 ――チャットモンチーの編成としてはどうなるんですか？ 福岡：男陣、乙女団、チャットの6人のミックスですね。とにかく聴いても見ても楽しめるライブにしたいと思っているので、絶対に一回はライブに来てほしいです。 橋本：うん。フェスにミックスで出るのも初めてなので、楽しみたいです。 （取材＝神谷弘一／構成＝橋川良寛）
チャットモンチー『共鳴』（Ki/oon Music）
ななみ、1stアルバムに込めた“人生の感情”を語る 「たぶん一生、愛を叫んでるんだろうな」
「『ななみという人間はこういう人間なんだよ』っていう色のアルバムにしたかった」
――このアルバムはあなたが21年間生きてきた、その人生のさまざまな感情が詰まっている作品だなと思います。 ななみ：ありがとうございます。私のことを知ってる上で聴いてくださると、全然違いますよね。 ――そう、ななみさんの生きてきた背景をね。そのアルバム・タイトルは『ななみ』と、ストレートですね。 ななみ：はい。私は人間らしいアルバムを作りたいと思ってたんです。ただ、そうすると明るい曲ばかりじゃなくて、イヤなことも歌うし、毒もあるし……それを詰め込みすぎたら虹色のように色が多すぎて、バランスがとれないかなと思ったんですけど。でも実際に私が経験してきたことはこんな感じだったし、それは何も偽りないことだなと思いました。「ななみという人間はこういう人間なんだよ」っていう色のアルバムにしたかったですね。 ――ほんとにその通りで、あなたらしさが全面に出ているアルバムだと思います。で、ライヴを観ていた身としては、そんなにビートが強い曲が多い人ではない印象があったんですよ。それがこのアルバムでは……。 ななみ：覆せました？ やったぁ！（笑） それは私がひとりで演奏してるわけではないから、豪華になりますよね。どんなに明るい曲でも、弾き語りだとちょっとスローに聴こえたり、バラードっぽく聴こえたりしますから。このアルバムは、アレンジも全部気に入ってますね。 ――しかも、明るい曲調のものもありますよね。 ななみ：「ななみは毒があるから明るい歌は唄わないんだ」みたいなイメージを持たれても仕方ないし。自分は薬よりも毒のほうが好きなんですよ（笑）。だけどまだ21歳だし、自分だって恋をした時とか毎日メイクする前にかわいい曲を聴いてテンション上げたりするので、そこは今にしかできないこと……この先、25歳とかになってそんな曲を出してもリアルタイムじゃないし、出すなら今だと思ったし。あと、恋があって愛になるわけだから、そこもちゃんと共感してほしいなというのもありましたね。 ――うん、僕も同じことを考えました。恋についての歌をこういうふうに唄えるのは、21歳の今だからだろうなって。 ななみ：うん、そうですね。きっと私は、愛について歌っているけど、この愛に対しての価値観も、今、21歳らしさの愛だと思うんですよ。もしかしたら30歳になって振り返った時に「全然そんなの愛じゃないよ」って思うかもしれない。だから、「愛が叫んでる」とかもそうですけど、何やかんや言って、21歳らしいんじゃないのかなと思うんですけどね。【ななみ】「I'll wake up」MUSIC VIDEO Full ver.
「やっぱり私は音楽以外なかった」
――ではここからは、それぞれの曲について聞いていきますね。アルバムは、前回お話を聞いた「I’ll wake up」で幕を開けて、2曲目は「去れ負け犬よ」。以前からライヴでもやっている曲ですが、この歌詞は自分自身に向けていますね。 ななみ：そう、自分に言ってますね。これを書いた当時は引きこもりだったり、ヤンキーだったり、そういう自分が本当にイヤだったんでしょうね。でも最近、この歌に助けられることが自分自身にあって……。たとえば全国で弾き語りでライヴしてると、聴いてくれる人が全然いなかったり、お客さんがいても、私のことを知らないから携帯いじってたりするんですよ。そういう自分が負けそうな時に歌いますね（笑）。お客さんだって、みんなが自分が勝ち犬だとは思ってないと思うし。「人に言うけど自分にも言う」みたいな感じで今は歌ってます。 ――＜結局人は簡単に裏切るし/どうせなら最初から 疑おうと思ってしまう＞という歌詞はななみさんらしいと思います。人間観が出ていますね。 ななみ：（笑）そうですね、ヒネくれてますかね？ ここの歌詞が一番気持ちいいですよ。ライヴを観てくれないお客さんの顔見て「お前だよ！」みたいな感じで歌うと、携帯をしまって「ごめんなさい！」みたいな感じで聴いてくれる人もいて（笑）。でもそこからファンになってくれる方も多かったので、ぶつからないとダメだなと思います。 ――たくましいですね（笑）。次の「約束を果たすその日まで」は別れの場面を描いた、かなりグッと来る曲ですけど。これはきっとこういう場面が本当にあったんじゃないかと思いながら聴きました。 ななみ：そうですね。17歳の、まあ、ヤンキーの時に、結婚してもいいかなというぐらい好きな人に出会えたんですよ。それで「もしかしたら音楽をやらずに、この人と結婚して家庭を築いて……」とか考えだしちゃったんです。その時はオーディションとかも受けてたけど、先が見えなかったので、ほんとに未来について一番悩んでて。で、結局「音楽をやりたい、でもこの人と付き合いながらはムリだ、別れよう」という話をこっちから切り出して、別れたんです。そのあとにMusic Revolution（ヤマハの全国大会のグランプリ）を獲れたので、「あの時のさよならがなかったら今の自分もないんだろうな」って思いますけど……その時、「あんなに素敵な人と別れたんだから、絶対夢を諦めちゃいけない」って思えたんですよ。だからこれは「いつか夢をかなえて約束を果たすその日まであなたには会わない」っていう曲なんですけど、ただデビューできた今、向こうはもう結婚して、子供もいるんですね（笑）。夢を目指してる自分と恋をしたい自分がいて、そこで何かを選ばなきゃいけない時ってあると思うので、そこを共感してもらえたらなと思いますね。 ――そうですね。ただ、17歳でそこまでの決断を迫られる人って、あまりいないと思います。 ななみ：うーん……やっぱり私は音楽以外なかったんですよね。だって自分で決めたのに、「あなたと結婚したから私は夢をかなえられなかった」とか言いたくないじゃないですか（笑）。わかってたんですよ、恋なんて一瞬だって。でも夢は、音楽は永遠だって思ってたから、そっちを選びましたね。 ――4曲目は「I live for love」。これもタイトルに愛があります。 ななみ：これはあとで話す「悲しみはありがとう」の次の曲だな、という気がします。誰かにキズつけられて、誰も人を信じられない。キズを負うのが怖い。でも「誰かを愛することって素晴らしいんだな」と気づけた気持ちというか。私からすればファンの人だったり、最後まで見放さなかった家族だったり、そういう存在なんですけど。 ――つまり、広い意味での愛なんですね。 ななみ：そうですね、うん。電車とかスクランブル交差点とか、人が多いところで、イヤホンで聴いてほしいと思います。うるさいところだからこそ静かな曲を聴いて、考えてほしいですね。いろいろ。 ――続いては「愛してる」。これもバラードですね。 ななみ：これは、さっきの人と違うんですけど、ある人と別れた時のことで……その時はその人の幸せを願えないじゃないですか？ 「ほかに取られたらどうしよう」とか「こんなに愛しているのに！」と思って別れたんですけど、でも「それって愛じゃないな」って気づいたんです。別れてから半年ぐらいまでは「新しい彼女できたかな」と思ってFacebookを調べたり、「どんな日常を送ってるのかな？」とか、気になったりしません？ そのうちは全然愛じゃないんだな、自分を愛してるんだな、と思って。 ――ああ、執着してるうちは？ ななみ：うん。でも2ヵ月、3ヵ月、半年経った時に「もうどうでもいいや」と思ってきちゃうじゃないですか。で、ひさしぶりに電話来てもうれしいわけでもなく、「元気？ 幸せになってね」って、ほんとに言えるようになってからが愛なんだなって。それが男女じゃなくて、人間としての愛……相手の幸せを願えることが愛と呼べるのだろうな、という歌です。 ――歌詞の一番最後の＜この穏やかな気持ちを/『愛』と呼ぶのでしょう＞というところですね。 ななみ：そうです。歌を入れる時も、最後は笑顔で唄って、ちゃんと出口に向かえるようにしました。ただ、この曲みたいに、自分のイヤなところがわかりながらも手放せないという女の子の気持ちを、世の中の男性には気付いてほしいですね（笑）。【ななみ】「I live for love」(1stアルバム「ななみ」収録)動画作品
「母親のような曲を作りたかった」
――わかりました（笑）。で、このアルバムは曲調に幅があって、そのぶん、いろんな歌い方もしてますよね？ とくに次の「出逢えたのはあの店で」は、かなりかわいくて。 ななみ：ああ、そうですね。これは自分のかわいいと思える場所を全部出しました。出しきって、何も残ってないぐらい（笑）。これも経験したことで……田舎娘なので、上京したての頃は東京の人って、みんなカッコ良く見えるんですよね。すごい！オシャレ！カリスマ！みたいな（笑）。で、あるお店に行った時に店員さんがすごいカッコ良くて、ひと目惚れをしたんです。ほんとにひと目惚れをした時って、しばらく考えません？ 5日とか1週間とか。 ――（笑）1週間も？ ……ああー、でも引きずるかもなあ。 ななみ：ですよね？ やっぱり魅力的な人って。で、ひと目惚れをして、最初から最後までそのことをずっと歌ってる曲ってなかなかないなと思ったから、今のうちに作ろうと思ったんですよ。ひと目惚れをしてる女の子たちがこの曲でその気持ちを盛り上げてくれたらいいなと思って。でもさっきの人、そのあとも「どこかでまた会えないかな？」「いないかな？」と思ったんですけど……あとで気づいたんですけど、東京では2回目会える偶然は、なかなかないですね。それぐらい一瞬の出会いというか。 ――そうですね（笑）。ななみさんに恋の歌って、あんまり多くないですよね？ ななみ：いや、ありますあります！ 実はあるんですよ？ でも唄いながら、自分でも超恥ずかしいんですけどね（笑）。若い子にも聴いてもらえたらと思います。 ――次は「許されざる愛」。これはまた一転して……タイトル通りのね。 ななみ：そうですね。これは最初のメロディを適当な英語で作ってたので、とことん洋楽チックに振り切って作ろうと思いました。洋楽ではR&Bが好きだったので、歌ってて、一番気持ちいいです。この曲は、それこそ女性がツラい経験を……他人から認めてもらえない恋やかなわない恋をしても、キレイになっていってほしいなと思って作りましたね。メイクをする時とかショッピングをする時とか、その人のことを思いながらキレイに、強くなっていけるような……そういう曲にしたかったです。 ――そうですか。いやあ、視点が大人ですね。 ななみ：いえいえ（笑）、そんなそんな。 ――そう思いますけどね。「ポケットの恋花火」もかわいい曲ですね。 ななみ：はい、自分の中のジャンルで言うと「出逢えたのはあの店で」と同じですね。これは大分にいた時から作っていました。＜放課後＞とか＜グランド＞っていう言葉からもわかるように中学時代の思い出なんですけど、花火を見た時に「好きな人のことを思う鼓動を＜心の中の花火が打ち上がる＞みたいに比喩できないかな」と思ってて。「恋桜」（シングル「I’ll wake up」のカップリング）と一緒で、恋と花火が視点を変えてマッチできないかな、と。その時に歌詞はできてて、かわいいメロディはちょっと大人になってから固めました。 ――この＜いぢらしい夏よ＞という表現には、その頃の自分を今の視点で見て、書いてる感じがします。 ななみ：うん、そうですね。はっきりしない、ウジウジしてる若者の背中をドンと押せるような片思いソングになればいいな、と。まあこの曲は、結局最後は両思いになるんですけどね。だからリア充なんですけど（笑）。 ――9曲目の「君という宝物」は、またまた一転して、切実なバラードですね。 ななみ：これは私の親友……というか、友達が地元にはひとりしかいないんですけど。その子がある日、すごく大切な人をこの世から失くしてしまったことがありまして。でもあんまり弱みを出してくれる子じゃないから、なかなか教えてくれないんですよね。それで私は気づいてはいたんですけど、向こうが言ってこないから、言えなくて……で、私にできるのは曲を作ることだなと思って、作りました。それでワンマンライヴにその子が来るのは知ってたので、この曲を歌ったら、最近になって「気づいてたよ」って、やっと教えてくれたんです。命にかかわらず、＜君という宝物＞はみんなにあると思うので、置き換えて聴いてもらえたらと思います。 ――その話はライヴの時にしていましたね。そして10曲目は、「悲しみはありがとう」なんですが。いきなり＜嘘つき。やっぱり離れていくのね＞から始まるという……。 ななみ：これはもう、このままですね（笑）。これを書いた時の自分は、ほんとに人間が大っ嫌いだったんだなと思います。今思うと、よくもこんなマイナスなことを書けるなって。まあマイナスなように見えて、最後はプラスに行ってるんですけど。 ――うん。プラスに思おうとしてるんじゃないでしょうか？ ななみ：そうですね、うん……って、私が気づかされた（笑）。もちろん男女でもそうなんですけど、誰だって裏切られることはあるじゃないですか？ 向こうは裏切ってるつもりじゃなくても、全部信じられなくなる時ってあるし……。それで私、悲しい時にはすぐに母親の顔が浮かんで、いつも実家に泣きながら電話するんですよ。そういう存在の曲があったらいいなと思って作りました。私にとってのその歌は、中島みゆきさんの「ファイト！」なんですけどね。誰かが悲しい時にイヤホンつけて「これ聴こう」って、パッて勝手に指が動く、そんな母親のような曲を作りたかったですね。 ――うんうん。で、これはあなたにとってのそういう曲にもなっていってます？ ななみ：そうですね。たまにツラいと、聴いてますね（笑）。＜嘘つき。やっぱり離れていくのね/分かっていたのに忘れかけてた＞……Aメロがそういう「ひどいわ！」っていう、ツラい！悔しい！悲しい！ってところから入ってくれると、聴くほうは楽なんですよね。キレイごとばっかりじゃなく、ほんとにキズをさすってくれるような曲じゃないかと、自分で勝手にそう思ってます。【ななみ】「愛が叫んでる」MUSIC VIDEO Full ver.
「普通に勉強できて、社会的に支障がない人がうらやましい」
――そう、すごく吐き出してますもんね。そして次の「Dahlia」は、あなたの毒の部分が出ていますね。 ななみ：周りを見ても、男性に振り回される女性が多い気がするんですよね。電話してくれない、メールしてくれない、私のこと好きじゃないの？みたいな、捨てられる女、浮気される女ソングが多くて。それも事実だと思うんですけど、もうちょっと考え方を変えたら大人になれるんじゃないかな、と思ってるんです。この曲、最後の最後まで、恨みを晴らそうと思ってたんですよ。でも詞を1ヵ月ぐらいかけて仕上げたんですけど、書いてる途中で恨みがどうでもよくなったんですよね。「ちょっと待てよ？ いや、この男、くだらねえな！」と思って。これが女性の成長の速さなのかなと（笑）。聴いてくれる女性にも、この曲の5分ぐらいの間に「そうだ！」と思ってほしいなと。いつまでも泣くんじゃなくて、「恨んでたら同類なんだよな、男は子供だ！」ぐらいの上から目線で楽になってほしいなと思って（笑）。もちろんキズつく恋も大事だと思うんですけど、こういう曲が一番自分らしいですね。 ――いやあ、こういう時の女性は強いというか、怖いですね。 ななみ：そうですね。ライヴの時に「出逢えたのはあの店で」のあとに絶対にこれをやっちゃいけないなって思います（笑）。並べるべきじゃないですね。 ――わかります（笑）。12曲目は「涙レンズ」。これはしみますね。 ななみ：これは自分が普通じゃない人間っていうことがわかってるという歌なんです。私は音楽がないと生きていけなくて、恋愛は音楽の下というか、完全に次なんですよね。だから音楽のことによって不安定になる時期もあるし、つき合った人に迷惑をかけたこともよくあったんです。でもそういう時に、強がって助けを求めることができないんだけども、ただただ見守っていてほしい、という曲です。強がっているようで、弱いんですね。それはファンに対してもそうで、私は不器用だから考えることも変わるし、「ななみ、それは違うんじゃないの？」って思うことがこの先あるかもしれないんですけど、涙のレンズ越しで見守っていてほしいんだ、って。自分をこれからも愛してください、と言ってる曲ですね。 ――そう、ここにも「愛されたい」という気持ちがありますね。 ななみ：そうですね。私、普通に勉強できて、社会的に支障がない人がうらやましいなって思うんです。私が経験してきたことや生き方に共感できる人は少ないと思うし、白い目で見る人もいるかもしれない。でも自分を信じて、前を向いて歩いていこうと思う。その隣にいてくれる人に「迷惑をかけてごめんね｣という曲ですね。 ――わかりました。そして最後が「愛が叫んでる」ですね。 ななみ：そうですね。この曲で終わった、眠ったように見えるけど、アルバムをリピートすると「I’ll wake up」のイントロが始まるので、また目覚めた！みたいに聴いてほしいと思います。あと、このアルバムの曲たちを陣取ってまとめられるやつは「愛が叫んでる」しかいないなって思ったんですよね。ボスっていうか（笑）。こんなに愛だのどうだの言ってるわがままな曲たちの中で、唯一ブレずに唄えてきた歌なので。 ――こうしてアルバムを聴くとあらためてよくわかるけど、やはりななみさんの歌は愛が大きなテーマになってますよね。まず、そこにたどり着いてしまうのは、なぜだと思います？ ななみ：えーっ、何でだろう？ ……べつに愛に満たされてるわけでもないと思うんですけどねえ。だから、かな？ ――そうそう、だからだと思うんです。 ななみ：うん、たぶん、いまだに満たされてはいないんでしょうね。たぶん満たされたら、人間ってないものねだりだから、どんどん違うものを求めるようになるんでしょうけど。私、家族もちゃんといるし、ファンもすごく愛してくれてるし、スタッフの方々も仕事という形で愛を返してくれるし、孤独に思うことなんて、ないですけど。でもたぶん一生、子どもを産んだとしても、愛を叫んでるんだろうなと思います（笑）。それが幸せなんだろうなと思います。ただ、逆に幸せになったら、愛に満たされたら、自分はどうするんだろう？と思いますね。まあ満たされることなんて、ないでしょうけど……。 ――それと愛と同じように「夢」という言葉もものすごく大事ですよね。さっきの話でも出てきましたけど、愛情を求めながら、夢に向かっていく自分もいるわけじゃないですか。その狭間でななみさんは生きてきたんだろうなと思いました。 ななみ：うん、そうですね。ただただ自分に期待をしていくしか、ほかに目を向けるところがなかったです。それが自分にあげられる愛だったので……夢があって、ほんと良かったなと思いますね。「愛を求めてるのは（素顔の）ななみちゃんで、（アーティストの）ななみは夢を目指してる」
――それからこれを訊いてみたいんですけど。ななみさんの青春って、どんなものだったと思います？ ななみ：ええ～っ！ 青春ですか……!? ――まあ今もまだ青春の真っただ中だと思うんですけど。 ななみ：えっ、全然、青春、ないですよ。超乾いてますよ！ 干からびてます（笑）。ええーっ、青春かあ……青春ねえ……。 ――そんなに答えに困るの？ ななみ：困りますよ！ だって学校行ってないんだもん。学校ってイメージあります、青春って。部活で県大会目指して、汗水流して……まだ汗が臭くない時期、みたいな（笑）。私の青春はたぶん、反抗期かな。 ――反抗期だった頃？ 17歳ぐらいの？ ななみ：やっぱりヤンキーだった頃ですね。ヤンキーの時期は一番音楽と離れて、ひとりの女の子として生きてたので、それが青春だったかなと思いますね。それまでは「夢を見なきゃダメなんだ！」っていう自分がどっかでいたけど、でもヤンキーの時はそれがなくて……結婚を考えるぐらいだったんで。 ――じゃあ、その後にまた音楽への夢を持つようになって、ここまで来たわけじゃないですか。ここまでの過程は青春だとは思ってないんですか？ ななみ：全然思ってないですね。夢を追いかけることが青春かもしれないですけど、私はそれが当たり前だったから、青春だとは思ってなくて。どちらかというと、恋愛だけが青春だと思ってるかな……それ以外のことがなかったから。（青春は）青いってことですもんね？ ――そう、未成熟がゆえの感性だったりね。ただ、そういうのとは違うところで生きてきたような感じがあるんですね。 ななみ：そうですね、文化祭も1回しか出たことないし……運動会も1回しか出たことないし。みんなで「おう！」とかすごい嫌いだし（笑）、そのぐらい熱さがなくて。「夢は信じればかなうんだ！」みたいなのが、全然ないですね。ディズニーのようなのは。 ――夢は実現させていくべきもの、ということ？ ななみ：どうなんでしょうね……夢か。夢が自分、みたいな感じでしたもんね。あまりに現実が見たくなくて（音楽をすることに）夢を見てた感じですかね。ほかに見るものがなさすぎて。 ――それだけ自分の生きる道を音楽に見出そうとしてたということですね。 ななみ：音楽がなかったら生きていけなかったですからね。＜音楽＝夢＞だったので、それ以外のものは夢じゃないというか。 ――うん。そして今はまだその夢を手に入れようとしている渦中なんですよね。そこでは愛も欲しがるけども、ただそれは、夢と一緒にはなかなか成立するものではない、ということなんですよね。 ななみ：そうですね、違う自分って感じです。愛を求めてるのは（素顔の）ななみちゃんで、（アーティストの）ななみは夢を目指してる。そこがパッキリ割れてますね。 ――その両方が混在してるのがアルバムに出てると思います。 ななみ：あ、ほんとですか？ 自分じゃわかんないです、何も（笑）。 ――僕も今日、話していてわかりました。うん、今日はありがとうございました。これからも頑張ってください。期待しています。 ななみ：頑張ります！ そう、頑張るしかないんですよね（笑）。どうもありがとうございました。 （取材・文＝青木優）
ななみ『ななみ』（e-stretch RECORDS / 日本クラウン）
『ひらけ！ポンキッキ』の背景にある驚きの音楽史とは？ 史上初のテレビ童謡研究書を読む
小島豊美とアヴァンデザイン活字楽団『昭和のテレビ童謡クロニクル 『ひらけ! ポンキッキ』から『ピッカピカ音楽館』まで』（DU BOOKS）
レコード会社学芸部という部署
焦点を当てられるのは、レコード会社における学芸部という部署だ。レコード会社には邦楽部、洋楽部という区別があるが、学芸部はそのどちらにも属さない、音にまつわる商品全般を受け持つ部署で、童謡やアニメ、映画音楽、落語などは学芸部が担当する商品だった。 『ひらけ！ポンキッキ』の音楽は、ごく初期を除き、小島が参加してからはキャニオンレコードの学芸部が制作を受け持つことになるのだが、フジテレビ系列の会社がいくつも関わっており、経緯がなかなか複雑である。 そもそも小島が入社したのはキャニオンではなく、ニッポン放送の子会社でテープ販売会社であるポニーなのだ。音楽テープ市場に新規参入が増えてきて苦しくなったために、ポニーをサポートするべくレコード会社のキャニオンが作られたという流れなのだが、なぜそういう話になるのかというと、音楽原盤の問題が生じてきたからで……という具合に、60年代から70年代にかけての音楽産業のちょっと特殊な構造や地殻変動が『ポンキッキ』楽曲の背景には横たわっているのである。そのあたりももちろん本書では詳述されている。 要点だけ簡単に記すと、『ひらけ！ポンキッキ』の番組を制作していたのはフジテレビ傘下の制作会社フジポニーで、音楽も最初はフジポニーが制作していたが、74年から小島がキャニオンの学芸部ディレクターとして手掛けるようになった。 小島は71年にポニーに入社、営業を経て73年に企画部に異動となるのだが、同時にキャニオンの学芸部ディレクターも兼任することになる。キャニオンは70年に設立されたものの業績不振で社員の半数がリストラされており、制作部はポニーとほぼイコールになっていたためだ。 『ポンキッキ』楽曲の制作費は、フジテレビの版権管理業務を行うフジ音楽出版から出ていたそうで、版権と原盤も同社が持っていた。フジ系列にはもう一つ、ニッポン放送が作ったパシフィック音楽出版という音楽出版社もあって、85年に両者は合併してフジパシフィック音楽出版となる。 音楽テープビジネスは60年代に隆盛したのだが、それは、あまりに閉鎖的だったレコードビジネスの隙を突いて市場を広げたかたちだった。原盤の使用権についてもレコードとテープは別だったため、音楽テープは複数のレコード会社と取り引きすることができた。キャニオンが設立されたのも自社原盤をポニーに提供するのが目的だったのだが、そのへんの事情については本書に当たられたい。 キングレコードや日本コロムビアは老舗の学芸部を抱えていることで知られていた。彼らから見ればキャニオンは商売敵だが、片やポニーは原盤を貸し出すビジネスパートナーということになる。双方に籍を置く小島は、ポニー社員としてキングやコロムビアの先輩ディレクターらと親交を重ねることができ、そこで得たものをキャニオンのディレクターとして制作に反映することができるという特殊な立場にあったわけだ。新興レコード会社であるキャニオンの学芸部の蓄積はゼロ、小島もまた童謡など子供向けの音楽を制作した経験を持っていなかったという。微に入り細を穿ち歴史の空白を埋める
『ひらけ！ポンキッキ』は新しいタイプの教育番組としてスタートし、当初は有料会員を募って、毎月発行されるテキストや絵本と番組を連動させる仕組みになっていた。番組内の音楽も初期は市販はされず、会員向けのレコードとして配布されていた。小島は3枚目のアルバムから関わるのだが、1枚目、2枚目のアルバムはこれら会員向けの楽曲を集めて作られたものだった。 1、2枚目の作詞に多くクレジットされている高見映は、NHK『できるかな』のあのノッポさんだ。高見は最初期から長年のあいだ『ひらけ！ポンキッキ』の構成作家を務めていたのだ。 また、この時点ですでに、伊藤アキラ、吉岡治（オサム）、桜井順といった大御所となる人たちが作家として参加している。歌謡曲の作家陣が多く起用されていたことについて、小島は、「子供向けに作ってないですからね。子供は大人になる通過点でしかないという意識があった。子供だって小賢しいから、物事の本質はわかってるわけ」と述べている。 73年『ママとあそぼう！ピンポンパン』のオリジナル曲「ピンポンパン体操」が260万枚の大ヒットを記録、それを受けて各局で児童番組が乱立し始める。 『ひらけ！ポンキッキ』も75年4月から「今月の歌」という新曲オリジナルコーナーを開始した。小島が制作に本格的に関わり始めるのはここからだ。『ピンポンパン』は『ポンキッキ』より先に放映されていた、やはりフジテレビの子供向け番組なのだが、局内ではライバル関係にあったのである。 第1弾シングルは、視聴者のお母さんから募った歌詞を岡本おさみが補作詞し、吉田拓郎が作曲した「たべちゃうぞ」。第2弾が「およげ！たいやきくん」で、これが460万枚という超特大のヒットとなる。この売上記録は現在に至るまで破られていない。「たいやきくん」を書いた高田ひろお（作詞）と佐瀬寿一（作編曲）のコンビは、以後「『ポンキッキ』のレノン＝マッカートニー」として主戦力となる。beポンキッキーズ40th ソングス 「およげ！ たいやきくん」
『ポンキッキ』ソングの尖鋭性
『ひらけ！ポンキッキ』の楽曲をあらためて聴くと、子供の頃にはぜんぜんわからなかったのだけれど、その時代時代の先端とされる音楽を実に素早く取り込んでいたことに気づかされる。シンセサイザーの導入もかなり早くからなされていて、75年の「たいやきくん」ですでにアープ・オデッセイが使われていたという。 それはしかし、流行に乗るというより、面白そうなことはやってみるという興味本位から実現されていたことだったようだ。佐瀬寿一のインタビューを読むとそれが確認できる。 佐瀬のインタビューで特に注目されているのは、80年の「おふろのかぞえうた」だ。全編打ち込み＋シンセで録音された、クラフトワーク＋バグルスみたいな曲で、ハーモナイザーでピッチをびょーんと上げられるボーカルが印象的である。beポンキッキーズ40th ソングス 「おふろのかぞえうた」
| ——「おふろのかぞえうた」のエレクトロニクス導入だって、大きな決断だと思うんですね。 佐瀬 それをやらせてくれる番組だったんです。お金も出してくれて。スタジオを一日ロックアウトしないと、今みたいにプロ・トゥールスがあるわけじゃないから、まずテンポ信号を入れてからですから（笑）。 （…） ——でも、あの詞自体はテクノとは関わりないですよね。 佐瀬 悪ノリですよ（笑）。高田さん〔作詞の高田ひろお〕にいちいち説明もしなかったし。数え歌っていうとさ、すごく古いイメージがあるじゃない。「ひっとつっとせー」って。そういうところを払拭したいなってのがあったと思う。それであっちに逃げたのかもしれない。 ——それでドイツのミュンヘンサウンドになると。『ポンキッキ』自体がすごくバタ臭い番組でしたから。クラフトワークとか平気でかけてましたし。ある意味、子供ウケのことを考えずに、大人が楽しめるノリで作ってる。 佐瀬 観る側も免疫ができてたと思うんです、『ポンキッキ』という番組に対して。いきなり何もないところにポーンと出したら、絶対拒絶されるよね。だから抵抗なく、「おふろのかぞえうた」とかが受け入れられたんだと思う。 |
『ピッカピカ音楽館』へ
85年にフジ音楽出版がパシフィック出版に吸収され、フジパシフィック音楽出版が誕生する。フジパは原盤制作もしており、『ひらけ！ポンキッキ』の音楽制作もフジパのディレクターが手掛けるようになっていく。小島の担当する割合は減っていき、86年の「からだ元気？」を最後に番組から外れた。 小島は87年にポニーとキャニオンを退社し、それ以前から誘われていた小学館—テレビ朝日の『ピッカピッカ音楽館』の音楽監督を務めることになる。この番組での最大の片腕は、ダディ竹千代こと加治木剛だったそうだ。 思いがけない名前が出てきて、ええーっ！と驚いたのだが、加治木は、ダディ竹千代＆東京おとぼけCats解散後にプレイという音楽制作会社を興しており、『ピッカピカ音楽館』の音楽は主にプレイが手掛けていたのだという。 『ピッカピカ音楽館』は3年間続いたが、小学館の社員が制作に入り込んできて、小島はイニシアチブを取れなくなっていき、小島が抜けると同時に終了した。アルバムは1枚出たきりで未リリース作品がたくさん残されたのだが、本書はそれらのデータもすべて網羅している。＊＊＊
本の性質的に紹介に徹するのがいちばんの書評だと考えてまとめてみたのだけれど、たぶんまだ10分の1も紹介できていないだろう。ともかく登場する楽曲や人物の数が膨大で、索引を見るとクラクラする。あの人がこんなところに!?という意外な発見も読者それぞれにあるに違いないから、ぜひ本に当たってみていただきたい。
ひたすら情報の確認をしているようなインタビュー本編はちょっと取っつきが悪い面もあるけれど、通史＋資料集という性格の本であり、一度読んでそれで終わりという類のものではない。立ち読みはほとんど意味がないので、気になった人はとっとと買うのが得策である。
■栗原裕一郎
評論家。文芸、音楽、芸能、経済学あたりで文筆活動を行う。『〈盗作〉の文学史』で日本推理作家協会賞受賞。近著に『石原慎太郎を読んでみた』（豊崎由美氏との共著）。Twitter
KIRINJI・弓木英梨乃、楽曲重視のギターテクとは？ ゲス乙女。や『けいおん！』をリアレンジ
弓木英梨乃
#1「猟奇的なキスを私にして」（YUMIKI's GuitArrange Studio）
ゲスの極み乙女。 - 猟奇的なキスを私にして
弓木英梨乃 - New World
弓木英梨乃(ERINO YUMIKI)のギターセミナー けいおん！！（K-ON!!）GO! GO! MANIAC」（ゴー・ゴー・マニアック）
Gacharic Spinが見せた、唯一無二のエンターテインメント「みんなと作るこのライブが一番好き」
Perfumeとももクロ、今の共通点は？ 同時チャートインの楽曲から分析
Perfume『Relax In The City / Pick Me Up（完全生産限定盤）（DVD付）』
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ももいろクローバーZ『『Z』の誓い（『F』盤）』
藤巻亮太が「ニコニコ超会議2015」に降臨 カオスなイベントでなぜ主役に？
藤巻亮太『旅立ちの日（初回限定盤）』（ビクターエンタテインメント）
初回限定盤特典の写真集
Alfred Beach Sandalと王舟が語り合うソロ活動のスタンス 「自然に開けていたら一番いいなと思う」
王舟（左）とAlfred Beach Sandal（右）。
「王舟のことバンド名だと思っていた」（北里）
――最初に2人の音楽遍歴を聞かせてください。王舟さんが音楽を始めたのは中学生のときということですが。 王舟：友達のエレキギターをもらって、早弾きに挑戦してましたね。周りではギターヒーローが一番カッコいいと言われていたし、弾くのが速ければ速いほど褒められた。 ――今の音楽からは想像つかないですね（笑）。歌モノに触れたきっかけは？ 王舟：スピッツですかね。あとは高校生のころにボサノヴァバンドを組むため、女の子のボーカルをオーディションしたり、ラウンジ系のDJしたりしてました。 ――なるほど。北里さんはいかがでしょう。 北里：中学生の時、おじいちゃんが持っていたクラシックギターを貰ってギターを触り始めました。エレキギターを買ってからは、THEE MICHELLE GUN ELEPHANTの「ゲット・アップ・ルーシー」のリフをずっと弾いたりしてました。Hi-STANDARDの「STAY GOLD」は難しすぎて断念しました。そこからプライマル・スクリームとか、UKロックにハマったんですけど、ある日たまたまケーブルテレビで『True People's Celebration』っていう、よみうりランドでやってたフェスの映像を見て。それに出てたのが、日本人はボアダムスとかUA、あとはサン・ラのアーケストラ、エルメート・パスコアール、フアナ・モリーナとか、ブラックフレイムスで、「こんな音楽あるんだ！」ってかなりショックで。そこから、ロック以外にも色々聴いていった感じです。 ――2人が初共演したのは2009年に八丁堀・七針で行われたライブですが、初めて会ったのもこの時ですか？ 王舟：そう。僕は出る前から客として遊びに行ってました。このときの対バン相手には星ト獣と金田貴和子さんがいたよね。 北里：俺は演者で出たのが初めて。 ――お互い初対面の印象は？ 王舟：事前にMyspaceでビーサンの音源を聴いていて良いイメージを持ったままでライブを見たら、緊張してたせいもあるだろうけど、音源の方が良いと感じたんです。 北里：終わった後に本人から直接言われました（笑）。 王舟：でも、面白いとは思っていたんです。歌物で変なことをやっている人ってあんまりいなかったから。 北里：俺は、王舟のことバンド名だと思っていたことと、ライブが良かったのが記憶に残っている。 王舟：当日はボソっと「良かったです」と言われただけだから、「気に入らないのかな…」と思っていたけど、次の日のブログに「すごく感動した」って書いていて、安心したのを覚えています。ビーサンはまだソロ始めたてだったよね？ 北里：2回目くらいかな。前にやっていたバンドが存続しているのかどうかフワフワした状態になった時だったので。緊張していたかどうかはわからないけど。 王舟：ブログに「緊張した」って書いてたよ。 ――全部ブログ情報（笑）。 北里：なんで覚えてんだよ。
王舟。
「ソロのライブは結局何やったらいいのか未だにわからない」（王舟）
――2人ともシンガーとしてソロキャリアをずっと積んできたというよりは、バンド活動もあって今に至っているわけですが、ソロ活動の中ではバンドセットでの演奏を行っている。この2つにはどういう感覚の違いがありますか？ 北里：もともと「一人でやりたい」と思ったことは無かったので、アーティスト名も個人の名前にしていないんです。音楽の作り方は、作業工程だけ見ると完全にバンドのやり方なんですけどね。1人でやる曲みたいなものも出来るけど、それもスタジオに持って行って岩見（継吾・サポートベース）さんや光永（渉・サポートドラム）くんに投げたら、バンドっぽくなる。 王舟：うちはメンバーの入れ替わりも結構あるし、新曲をスタジオに入って練るような形ではないから、当たり前だけど自分が何か言わないと進まない。みんなは「ワイワイ音楽がやりたい」というシンプルな動機で集まっているから、受け皿みたいなものだけ作っておいて、あとは自由にやるという形態だった。でも、アルバムをレコーディングするようになってから、ようやく何をやっていくべきか見えてきたんです。今度のビーサンとのツアー以降は形を変えて、やり方を変えてやろうかなと。ソロは伴奏が薄いので、自分が目立つっていうのがちょっとやりづらいなって。 ――どういう部分がやりづらいのでしょうか。 王舟：わりと裏方にいる方が好きなので。だから学校で生徒会とかやる奴すごいなって思いますし。ソロのライブは結局何やったらいいのか未だにわからないんですよね。 北里：バンドのライブの時の方が、やった時に良かった・悪かったという基準がわかりやすいかもね。グルーヴが生まれているから、そこに溶け込めているかどうかで判断できるけど、ソロだとフリーフォームでやってる感じだもんね。 ――自由な分、客観視ができないと。 北里：そう。別に「こう見せたい」とかもないし。
「パッションだけでやっているとだんだん飽きてくる」（北里）
――同じ発売日ということで、お互いの作品についての感想を聞かせてください。 王舟：『Honeymoon』って、前より輪郭がはっきりしてて、zAkさんがプロデュースしてるということもあるけど、音が届くスピードが前より速いと感じた。ビーサンがこの路線をやるのは少し前だとあんまり想像できなかったけど、やったらやったで結構いいなっていう感じはすごくあります（笑）。 ――音の届くスピードが速くなったというのは、よりストレートになったということですよね？ 王舟：素直な感じだけど、アンサンブルもかなり良くなっている。前はもう少しモヤ掛かった印象があったけど、「仕上げてきたなー」と。これまでは、フィギュアスケートで言うとエキシビションだったけど、しっかり試合用にしてきた感じ。 北里：自然にやってきていることだから、変わったのか自分じゃよくわからないですけどね…。でも、サウンド的にはかなりビルドアップされたと思います。バンドのアンサンブルは一緒にやってきている中で、どんどん纏まってきているし、これまでは自主でやっていたけど、最近は音楽のことだけに集中できる度合いも増えたので。 ――音楽を作ることに集中できる時間が増えたことで、自分の中でこういうものを作ろうという考え方は変わりましたか？ 北里：それはあんまり変わってないです。もともとそういう、何か思い描いた完成形に向かっていくみたいなタイプじゃないんですけど、その時思いついたことをどうするかという感じで。自分が曲を作る段階で、刷り込みみたいに影響を受けてきた音楽とかは出ているし、基本的には曲の作り方も大体一緒だし。ギターだったらギターで、フレーズをループとしてまず組んで、それをどう発展させていくかっていう。だからサンプラーは使ってないけど、ヒップホップとかに考え方は近いような気がします。 王舟：ビーサンがやっていること自体は全然変わってないもんね。 北里：変わった部分って、zAkさんとか、サポートメンバーからフィードバックされたなかで気付いたところだったりするかも。でも、俺はこれでいいやっていうわけでも全然なくて、去年、ギターの教則本とか初めて買いましたもん。上手くなった方がいいかなと思って（笑）。普通に運指の練習とかもしたかったし、音楽の幅がそれで広がったりするかなって。パッションだけでやっているとだんだん飽きてくるし、同じことばっかりになってくるから。 ――4曲目に収録しているNOKKOさんのカバー「人魚」はどういう経緯で選曲したのでしょうか。 北里：バンドの忘年会をやっていた時に、光永くんが酔っぱらいながら「いいよねーこの曲」って言ってて、その場のノリでやろうかってなりました。でも、そのままやっても面白くないから、ロバート・グラスパーだったかなんだったかの曲のリズムパターンのイメージでやってみようってアイデアが出て。あと、カバーする前に「バラードっぽく歌うのは無し」って決めていて。だって歌詞とか一つも共感できないから、情感たっぷりのアプローチが出来ないし。ミックスもはじめはもっとモヤがかったウェットな感じになっていたんですけど、僕の要望でもっとドライにしました。
Alfred Beach Sandalこと北里彰久。
「『一体にならないだろう』と思っていた人と、瞬間的に握手しちゃった時は嬉しい」（北里）
――北里さんは王舟さんの『Wang』についてはどう思いますか？ CD版は発売からもうすぐ1年になりますが。 北里：『Wang』自体はずっと作っていて、なかなかできない過程も見てたので、客観視できない（笑）。「出てよかったな」という気持ちが一番強いです。勝手に感慨深い、みたいな。アルバムが出た後は、誰かがDJで掛けているのを聴いて、「良い感じにチャラくて面白いな」と思ったり。 ――「チャラい」って面白い表現ですね。 北里：気持ちが乗っかりやすいというか…。 王舟：それは気に入っているところなんですよ。カントリーやフォークのようにシビアな音楽を形式だけ踏襲して、“スタイルの良さ”だけを見せたかったから。だからチャラかったりユルい感じで今っぽい雰囲気に出来ていると思うんです。60年代のイギリスの人たちがブルースのカバーをやってポップな感じにしているとか、そういう感覚に近いですね。 ――収録曲の「瞬間」は北里さんがカバーした際に出来たフレーズを王舟さんがアルバムの音源に使った曲ですよね。 北里：そうそう、最初の宅録バージョンで聴いていい曲だなって思っていたけどライブとかで全然やらないから、「なんでやらないの？」って聞いたら「ベースリフ一発だからやりようがない」みたいなことを言っていて。「そうかな」って思って。それでコード進行とかフレーズとか、ちょっとだけアレンジしてカバーしたんですけど。 王舟：すごくポップな感じになったよね。その時のコードを後で教えてもらって、バンドに持っていったら、かなり馴染んだんです。 ――ちなみに、2人は録音物とライブの意識の違いをどう捉えられますか？ 王舟：相撲で言ったら録音物は稽古で、ライブは試合（笑）。 北里：それはちょっとわかんない（笑）。どっちも試合だけど、種類が違うっていうか。でも球技っていうくらいは一緒かな？ わりとライブ感みたいなのがある録音物の方がいいのかなって考えた時期もあったけど、それは全然違うものだと今は思うようになったし。 王舟：録音物はちょっと誇張してやろうと思ったらできるし、わりと自由度は高いけど、ライブは場所も来る人も毎回違うから臨機応変にやらないといけない。でもそれがいいんですけど。もちろん録音物は事前に準備ができるんですが、それが良い方向にも悪い方向にも転がることはあるし。 ――2人はライブで観客の反応を見るタイプですか？ 王舟：お客さんの楽しそうな雰囲気が伝わってきて、次第に演奏が良くなっていくライブが何回ありました。言葉に出さないけど、本当少しだけ一体感を共有する感じが心地いい。 北里：全然見ないです。もちろん、お互いの感覚が交差した瞬間はすごい快感だけど、煽ったりできるタイプじゃないし、別に何かするわけではないから…。 ――緩やかな空気感で繋がるという感覚は、2人のライブを見ていると何となく伝わってきます。 北里：それでも、「一体にならないだろう」と思っていた人と、瞬間的に握手しちゃった時は嬉しい。そのためにやっているようなところはあるけど、だからといってこっちから両手を広げて迎えに行くわけではないし。別に閉じたいわけでもないから、自然に開けていたら一番いいなと思います。